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Aufführungen | Schauspiel Deutsches Theater Berlin Ach, Mom!

Premiere: 17.4.2026

Es beginnt in einem Wohnzimmer, wie in jeder Sitcom. Und endet im Delirium.

Ach, Mom! ist eine choreografierte Multicam-Inszenierung für vier Scha...
Aufführungen | Schauspiel Deutsches Theater Berlin Bookpink - New Arrivals

Uraufführung: 19.4.2026

Die Autorin Caren Jeß veröffentlichte 2019 ihr dramatisches Kompendium Bookpink, eine Sammlung von sieben Miniaturen über menschliche Abgründe, soziale Gefüg...
Aufführungen | Kabarett Uckermärkische Bühnen Schwedt Lasst uns froh und unten sein!

Premiere: 25.4.2026

Mitternächtig geht in Schwedt ein Geist um: Fritzchen Schleicher mit den elastischen Lügen. Ein Schelm, wer den Bundeskanzler darin entdeckt. Die olle Glotzmann ...
Aufführungen | Schauspiel Deutsches Theater Berlin Die Physiker

Premiere: 24.4.2026

Stellen Sie sich vor, Sie entdecken die Weltformel. Eine Erkenntnis, die in den falschen Händen den Untergang der Menschheit bedeuten könnte. Was tun? Verkünden? V...
Aufführungen | Schauspiel Theater Ost Die Nacht des Leviathan

Hintergrund
Eine Staatskrise. Um die Bevölkerung zu beruhigen hat Ministerpräsident Roman Grassla die populäre und kritische TV-Journalistin Nadja Layndecker gebeten, ihn zu interviewen. Was Na...
Aufführungen | Oper Komische Oper Berlin Bel­shazzar

Regierende Rüpel sind wieder in Mode und an der Macht. Dieser Typus Mann räumt auf, stürzt um, greift durch, nimmt aus; und er fühlt sich dabei toll, jung und heiterdestruktiv. Auch König Belshazzar w...
Aufführungen | Schauspiel THEATER IM PALAIS Hans Fallada: Jeder stirbt für sich allein

Anette Daugardt und Uwe Neumann gastieren diesmal mit der Adaption eines Roman-Klassikers bei uns: Als Vorlage für das 1947 veröffentlichte Werk Falladas diente die Geschichte des Arbeiterehepaares Ot...
Aufführungen | Oper Komische Oper Berlin Or­lan­do

Deutsche Erstaufführung: 16.5.2026

The ultimate queer Sci-Fi hybrid Grand opéra!

Stellen Sie sich vor, Sie wären unsterblich und könnten über vier Jahrhunderte Geschi...
Aufführungen | Aufführung Uckermärkische Bühnen Schwedt Club der toten Dichter - Galgenlieder - Christian Morgenstern neu vertont

Hans-Werner Meyer - Gesang, Geige
Markus Runzheimer - Bass, Percussion, Gesang
Reinhardt Repke - Gitarren, Gesang

20 Jahre Club der toten Dichter. Ein Jubiläum, das es...
Aufführungen | Aufführung Kabarett Obelisk - SatireTheater Potsdam SOWAS KOMMT VON SOFAS

Das neue Programm vom Kabarett PODEWITZ ist Sex fürs Zwerchfell und Botox fürs Gehirn. Herstellerhinweis: Das neue Programm bietet folgende Verbesserungen im Vergleich zum Vorgänger-Modell: • Mehr Be...
Aufführungen / Theater Improtheater Paternoster Berlin Berlin, Voßbergstraße 3
Aufführungen / Theater Schaubühne am Lehniner Platz Berlin Berlin, Kurfürstendamm 153
Aufführungen / Theater Theater Varia Vineta Berlin Berlin Pankow, Berliner Str. 53
Aufführungen / Theater Renaissance-Theater Berlin Berlin, Knesebeckstraße 100
Aufführungen / Oper Neuköllner Oper Berlin, Karl-Marx-Str. 131-133
Aufführungen / Theater Kulturquartier Mönchenkloster Jüterbog Jüterbog, Mönchenkirchplatz 4
Aufführungen / Theater theater DIE BOTEN Berlin, Schottstraße 6
Aufführungen / Theater Theatersport Berlin Berlin, Bürgerheimstr. 8
Aufführungen / Theater Teatr Studio am Salzufer Berlin, Salzufer 13/14
Aufführungen / Theater "Die Gorillas" Ratibortheater Berlin, Cuvrystrasse 20
Aufführungen / Theater Theater TRANSIT Berlin, Boxhagener Str. 99
Aufführungen / Theater Chamäleon Theater Berlin, Rosenthaler Str. 40/41
Aufführungen / Theater Theater Thikwa Berlin, Fidicinstr. 40
Aufführungen / Theater Theater Adlershof Berlin, Moriz-Seeler-Str. 1
Aufführungen | Ballett

Gala der Staat­lichen Ballett­schule

Komische Oper Berlin

Es ist seit Jahrzehnten Tradition, dass die Schüler*innen der Staatlichen Ballett- und Artistikschule Berlin alljährlich auf den Bühnen der Berliner Opernhäuser die Ergebnisse der Ausbildungsarbeit in einer festlichen Gala präsentieren. Von den Kleinsten bis zu den Absolvent*innen sind die Schülerinnen und Schüler in ein Programm eingebunden, das Zeitgeist, Facettenreichtum und Vielseitigkeit der professionellen Tanzausbildung dokumentiert und das die heranwachsenden Künstler*innen gleichzeitig herausfordert. Sie werden zeigen, was sie zu leisten imstande sind und dabei ihre Vorfreude auf einen einzigartigen Beruf zum Ausdruck bringen.
Aufführungen | Oper

Mokka-Hits und Milch­bar-Träu­me

Komische Oper Berlin

Uraufführung: 14.6.2026 Ein Kessel Buntes unter Druck Nach dem großen Erfolg von Messeschlager Gisela lässt Regisseur Axel Ranisch das »Heitere Musiktheater« der DDR erneut an der Komischen Oper Berlin aufleben! Zwanzig Jahre lang fesselte die Unterhaltungsshow Ein Kessel Buntes in der gesamten DDR ein begeistertes Publikum vor den Bildschirmen. Die Fernsehsendung, die sechsmal im Jahr im Sender DDR-F1 ausgestrahlt wurde, war für einen Großteil der Bevölkerung zugleich Lieblingsbeschäftigung und Pflichttermin am Samstagabend. Und das nicht ohne Grund! War sie doch eines der Aushängeschilder, vollgepackt mit Stars und bekannten Persönlichkeiten aus Kunst, Kultur und Unterhaltung. Die Besonderheit: Die Showacts stammten nicht nur aus der DDR, der Sowjetunion oder den sozialistisch geprägten Staaten, sondern ebenso aus der BRD und Westeuropa. Regelmäßig begeisterten sie ihr Publikum auf Bühnen in Berlin, Thüringen und Sachsen, begleitet von lokalen Ballettensembles, Chören und Orchestern. An der Komischen Oper Berlin wird aus dem einstigen Fernsehklassiker auf der Bühne des Schillertheaters eine bunte Revue. Axel Ranisch und Adam Benzwi bringen – inspiriert von Ein Kessel Buntes – mit Mokka-Hits und Milchbar-Träume ein Panoptikum der DDR auf die Bühne. Temporeich und mit einem großen Knall waschen sie heiter alle Farben im gleichen Kessel und heraus kommt eine schillernde Revue, gefüllt mit schmissigen Operettenmelodien, waschechtem DDR-Schlager und Musik, die zum Tanzen auffordert. Mit tatkräftiger Unterstützung von bekannten Gesichtern – unter anderem aus Messeschlager Gisela – können wir uns auf einen Abend freuen, der mit Schwung und Leichtigkeit genauso wie Ehrlichkeit und Tiefgang besticht. Und jetzt: Musike! Empfohlen ab Klasse 7 In Deutsch 30 min vor jeder Vorstellung findet eine Stückeinführung im Foyer statt (außer vor Premieren, Kinderopern, konzertanten Aufführungen, Silvester- und Sonderveranstaltungen)
Aufführungen | Oper

Or­lan­do

Komische Oper Berlin

Deutsche Erstaufführung: 16.5.2026 The ultimate queer Sci-Fi hybrid Grand opéra! Stellen Sie sich vor, Sie wären unsterblich und könnten über vier Jahrhunderte Geschichte selbst erleben! Als Mann. Und dann als Frau. Der junge englische Adelige Orlando wird als Favorit der Königin Elisabeth I. mit Orden und Gütern beschenkt und altert fortan nicht mehr. Nach einem unerfüllten Liebesabenteuer mit der schönen Russin Sasha zieht Orlando sich zurück und beschließt, Dichter zu werden. Abermals enttäuscht, lässt sich Orlando als Botschafter in ein fernes Kriegsgebiet versetzen, wo er eines Tages aus einem tranceartigen Schlaf als Frau erwacht. Auf der Suche nach Freiheit schreitet Orlando durch Jahrhunderte der patriarchalischen Ordnung, erlebt barocke Dekadenz, viktorianische Moral, zahlreiche Kriege und den Anbruch des digitalen Zeitalters. Orlandos nichtbinäres Kind verkörpert die Idee der fließenden Identität und stellt schließlich jede Dualität infrage. Als Dichter:in schreibt Orlando gegen Simplifizierung und Populismus an und konfiguriert als Zeitreisende:r das Jetzt immer wieder neu. Virginia Woolf widmete ihren visionären Roman Orlando 1928 ihrer Geliebten Vita Sackville-West. Mit der 2019 uraufgeführten Oper Orlando setzt die österreichische Komponistin Olga Neuwirth die fiktive Biografie in ihre Gegenwart fort und wird selbst zur Expediteurin auf einer musikalischen Zeitreise von Madrigal bis Elektronik. Regisseurin Ewelina Marciniak bringt das kaleidoskopische Werk über die Fluidität von Zeit, Stil und Geschlechterrollen als hybride Grand opéra aus Mode, Medien, Raum und Musik erstmals auf eine deutsche Opernbühne. Empfohlen ab Klasse 9 In Englisch 30 min vor jeder Vorstellung findet eine Stückeinführung im Foyer statt (außer vor Premieren, Kinderopern, konzertanten Aufführungen, Silvester- und Sonderveranstaltungen)
Aufführungen | Oper

Bel­shazzar

Komische Oper Berlin

Regierende Rüpel sind wieder in Mode und an der Macht. Dieser Typus Mann räumt auf, stürzt um, greift durch, nimmt aus; und er fühlt sich dabei toll, jung und heiterdestruktiv. Auch König Belshazzar war ein Rüpel, ein Monsterregent im Nahen Osten in biblischen Zeiten … Im Rausch eines höfischen Festes verhöhnt König Belshazzar den jüdischen Gott Jehova: »Ich bin der König von Babylon!« Gegen Mitternacht flimmert an der Wand eine Rätsel-Schrift auf: MENE, MENE, TEKEL UPHARSIN. Niemand kann die Zeichen deuten. Die kluge Königinmutter will den jüdischen Propheten Daniel befragen. Er wird geholt – deutet die Zeichen. MENE: Der Gott, den du gelästert, hat deine Tage gezählt und endet sie. TEKEL: Du bist gewogen und für zu leicht befunden worden. UPHARSIN: Dein Reich wird aufgeteilt zwischen Medern und Persern. Das Oratorium endet wie prophezeit – mit dem Tod des Rüpel-Königs und der beglückenden Befreiung des babylonischen und jüdischen Volkes aus dessen Herrschaft. Herbert Fritsch – wieder da! – findet in diesem Stoff ein ideales Material. Die legendäre Geschichte von König Belshazzar wird bei Fritsch aus dem oratorienhaften Habitus in einen wilden Tanz überführt. Sein entfesseltes Theater jagt die Figuren in diverse Wechselbäder der Gefühle: Stolz und Freude, Liebe und Hass, Hoffnung und Hybris, Horror und Panik. All diese Affekt-Räume sind in Händels Oratorium zu hören. Aus den der barocken Komposition fein abgelauschten Partikeln filtert Fritsch die Motive für sein horrendes Körperspiel. »Alles muss haarscharf in eine tobende Ordnung gebracht werden.« Dieses Motto von Antonin Artaud könnte dem Händel-Fritsch-Abend an der Komischen Oper Berlin gut vorstehen. Man darf gespannt sein – Fritsch ist es auch. Musikalische Leitung: Ge­orge Pe­trou Inszenierung, Bühnenbild und Kostüme: Her­bert Fri­tsch Chöre: Da­vid Ca­ve­li­us Licht: Olaf Free­se Empfohlen ab Klasse 7 In Englisch Dauer: 3 h inkl. Pause 30 min vor jeder Vorstellung findet eine Stückeinführung im Foyer statt (außer vor Premieren, Kinderopern, konzertanten Aufführungen, Silvester- und Sonderveranstaltungen)
Aufführungen | Schauspiel

Das Krokodil

Theater Ost

Mit der Erzählung „Das Krokodil“, die unserer Inszenierung zugrunde liegt, nehmen wir Anlauf, den heiteren Dostojewski vorzustellen. Das Krokodil zieht seine Kraft aus der absurden Ausgangssituation eines Mannes, der von einem Reptil verschluckt wird und sich im Bauch des Ungetüms wohlig einrichtet. Dostojewski verspottet in dieser Erzählung das ökonomische Prinzip und den Kapitalismus, in dem der Mensch neben dem Profit nichts mehr gilt. Seitenhiebe verteilt er dabei auf die weltfremde russische Administration und auf die starren Gesellschaftsstrukturen. Am Ende entpuppt sich die Geschichte auch als Satire auf den Wahnsinn ausufernder Bürokratie, die einer komplexer werdenden Welt nicht mehr gewachsen scheint. Aktueller kann eine Geschichte kaum sein. Regie: Kathrin Schülein Darsteller: Inka Pabst, Thilo Herrmann, Henry Nandzik, Roger Pabst Das Theater ist ab 18:30 Uhr geöffnet. Karten im Vorverkauf: 34 € Karten an der Abendkasse: 38 €
Aufführungen | Schauspiel

Die Nacht des Leviathan

Theater Ost

Hintergrund Eine Staatskrise. Um die Bevölkerung zu beruhigen hat Ministerpräsident Roman Grassla die populäre und kritische TV-Journalistin Nadja Layndecker gebeten, ihn zu interviewen. Was Nadja Layndecker nicht weiß ist, dass Roman Grassla die Regierungskrise dazu benutzen will, den Ausnahmezustand auszurufen, um ohne Parteien und Parlament „durchregieren“ zu können. Aus Sicherheitsgründen findet das Treffen an einem geheimen Ort statt. Inhalt „Die Nacht des Leviathan“ ist ein politisches und psychologisches Kammerspiel. Während eines Fernsehinterviews, das die Journalistin Nadja Layndecker mit dem Ministerpräsidenten Roman Grassla führt, fallen draußen Schüsse. Plötzlich sind die Türen verriegelt, der Kontakt zur Redaktion ist weg, ihre Handys funktionieren nicht mehr. Über das Fernsehen erfahren sie, dass ein Putsch stattfindet. Das Leben des Ministerpräsidenten scheint bedroht. In dieser Ausnahmesituation eskalieren die politischen Differenzen der beiden. Sie misstrauen sich. Als es Nadja Layndecker gelingt, eine Verbindung zum Sender herzustellen, ruft Roman Grassla die Menschen auf, für die Demokratie auf die Straße zu gehen. Kurz darauf kommen Meldungen, dass die Putschisten sich zurückziehen. Es scheint, als könnte die Demokratie gewinnen. Bis Nadja Layndecker zu entdecken glaubt, dass Roman Grassla ein doppeltes Spiel spielt. Was ist hier Wahrheit und was ist inszeniert? Was bedeutet es für die Demokratie, wenn es keine Wahrheit mehr gibt? Eine Frage, die das Publikum bis zum überraschenden Finale begleitet. Der Buchtitel des Philosophen Thomas Hobbes „Leviathan“ (1651) wurde zum Synonym für den starken Staat, besonders, wenn es um die Balance zwischen staatlicher Macht, individueller Freiheit und Demokratie geht. Es spielen: Helene Grass (Nadja Layndecker, Journalistin) "Ohne Wahrheit sind wir nichts, Grassla. Sie gibt uns Halt. Sie ist der Grund, auf dem wir stehen. Wir sind Wahrheitswesen durch und durch. Mit der Wahrheit entscheidet sich, was wir denken, was wir fühlen, wer wir sind. Sie ist unsere gemeinsame Welt, die Grundlage unserer Demokratie. Hier, dieser Boden ist Wahrheit. Diese Wände sind Wahrheit. Die verschlossene Tür da ist Wahrheit. Dass die Menschen kämpfen, draußen auf den Straßen, das ist die Wahrheit!" Frank Metzger (Roman Grassla, Politiker) "Fragen Sie den Mann und die Frau, die durch die Einkaufsmeile bummeln. Kriege? Krisen? Natürlich, sie haben Mitgefühl. Sie spenden, sie helfen. Aber schließlich: Was können sie schon tun? Sie sind fest überzeugt, keine Komplizen dessen zu sein, was diese Leiden verursacht. Ihr Mitgefühl und ihre Ohnmacht erlösen sie von jeder Schuld. Und genau das ist das Entsetzliche. Diese unzerstörbare Unschuld. Sie wollen wissen, was Politik ist? Im Grunde wollen die Menschen doch nur eins: Dass wir sie davor beschützen, sich schuldig zu fühlen. Sie wissen, dass wir sie belügen. Aber das ist der Pakt: Sie bekommen ihre Unschuld um den Preis ihrer Entmündigung." Regie: Tatjana Rese Das Theater ist ab 18:30 Uhr geöffnet Karten im Vorverkauf: 29 € Karten an der Abendkasse: 33 €
Aufführungen | Schauspiel

Die Welt im Rücken

Theatertreffen

Schauspiel Stuttgart Die packende Chronik einer bipolaren Erkrankung übersetzen Lucia Bihler und ihr Team in Die Welt im Rücken in ein Gesamtkunstwerk, das kraftvolle, abstrakte Bilder für seelische Zustände findet und dabei den Textkörper als Körpertext begreift. Ein schreibendes Ich führt ein Leben in Extremen – mal energetisch überbordend bis zum Exzess, mal gefangen in quälender Leere. Die Ursache dafür ist eine bipolare Erkrankung, in der sich manische mit depressiven Phasen abwechseln und die das Ich aus den geregelten Abläufen der Gesellschaft hinauskatapultiert. Schreibend versucht das ruhelose Ich einzuordnen, was zwischen Sex mit Madonna und dem Wunsch nach Auslöschung mit ihm geschieht. Thomas Melle gewährt mit Die Welt im Rücken in virtuosen, sinnlichen Sprachbildern einen plastischen Einblick in eine Erkrankung, von der er selbst betroffen ist. Lucia Bihler legt ihre Romanadaption als visuell und emotional mitreißendes Gesamtkunstwerk an, in dem Musik, Licht, Bühne und Choreografie ineinandergreifen und Emotionen und Handlungen abstrahiert in expressive Körperlichkeit übersetzt werden. Mit ihrem sensationellen Spiel zwischen physischer Verausgabung und emotionaler Durchlässigkeit steht Paulina Alpen im Zentrum des Geschehens, ihr zur Seite eine Gruppe von Doppelgängern als Körperchor. Gemeinsam finden sie starke Bilder, die sich ins Gedächtnis brennen. Jurybegründung: „Die ganze Bühne mutiert hier zu einem psycho-physischen Raum: Von Paula Wellmanns mit-atmenden und zuweilen schamrosa beleuchteten Vorhängen bis zu den drängenden Sounds von Sixtus Preiss wirkt alles daran mit, Thomas Melles schmerz- und humorvollen Text über seine bipolare Störung sicht- und erfahrbar zu machen. Im Zentrum dieses Gesamtkunstwerks: die großartige Paulina Alpen. Im roten Körper-Panzer von Victoria Behr – und manchmal auch ihm entgegen – spielt sie das Schwerwerden in der Depression ebenso wie den Donnerhagel der Neuronen in der Manie. Und nichts davon zu groß. Selbst das Durchdrehen ist bei ihr eine feinstoffliche Angelegenheit. Sechs Alpen-Lookalikes sind die von Melle erwähnten ,Zwitter-Agenten‘: Ausstülpungen wie Echos des eigenen Ich, die aber auch die Reaktionen der Mehrheitsgesellschaft auf inadäquates Verhalten spiegeln. Der Abend hat die poppige Ästhetik, die man von Lucia Bihler kennt, ist aber niemals effekthascherisch, sondern tief menschlich und schickt auch das Publikum auf eine Achterbahn der Emotionen.“ (Sabine Leucht für die Theatertreffen-Jury) Lucia Bihler – Regie Paula Wellmann – Bühne Victoria Behr – Kostüme Sixtus Preiss – Musik Björn Leese – Choreografie Mats Süthoff – Outside Eye Felix Dreyer – Licht Gwendolyne Melchinger – Dramaturgie Premiere: 27.9.2025 1 h 45 min, ohne Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln Empfohlen ab 14 Jahren schauspiel-stuttgart.de Publikumsgespräch am Donnerstag, 14.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

Three Times Left is Right

Theatertreffen

Eine Produktion von Studio Julian Hetzel Konzept und Regie: Julian Hetzel Radikal gegensätzliche politische Haltungen im Mikrokosmos einer Paarbeziehung nimmt Julian Hetzel in Three Times Left is Right mit einem klugen Konzept, beißendem Humor und sorgfältig ausgewählten ideologischen Reizwörtern in den Blick. Er ist ein Hochschullehrer mit linker Geschichte, sie eine Publizistin der Neuen Rechten. Auf den ersten Blick scheint sie wenig zu verbinden. Doch die beiden sind ein Liebespaar, trotz ihrer höchst unterschiedlichen Weltanschauungen. Wie sieht unter diesen Umständen ein Zusammenleben aus? Welche Gespräche und Diskussionen entstehen zwischen Tisch und Tennisplatz, wie erzieht man die gemeinsamen Kinder? Und wann wird das Private politisch? Mit schwarzem Humor und einem kalkulierten Spiel mit Triggerwarnungen bringt Julian Hetzel in seiner „Dokufiktion“ ein Familienporträt auf die Bühne, das die Zerrissenheit der Gesellschaft verdeutlicht. Josse De Pauw und Kristien De Proost verkörpern dabei ein Paar, das von realen Vorbildern inspiriert ist. Three Times Left is Right hebelt scheinbar klare Grenzen aus und zeigt, wie leicht die moralische Kompassnadel ins Trudeln geraten kann. Jurybegründung: „Inspiriert von der Beziehung eines linken Kulturwissenschaftlers und einer neurechten Autorin aus Wien entwickelt Julian Hetzel ein ungewöhnliches, verblüffendes Kammerspiel. Wie zusammenleben, wenn sich die eigenen Weltanschauungen diametral gegenüberstehen? Kristien de Proost und Josse De Pauw spielen ein Paar, bei dem sich politische Konflikte in den Küchentisch gefressen haben. Mit mikroskopischer Genauigkeit zoomt Hetzel in das Innere ihrer Beziehung, bei der Gespräche auf dem Spielplatz die Gewissheiten einer festen Institution erschüttern. In einem minimalistischen Setting liefern sich die beiden ein hitziges Battle um die bessere Ideologie – exemplarisch für die gesellschaftliche Spaltung. Wieso werden linke Denkmuster so schnell von rechts gekapert? Mit abgründigem Humor baut Hetzel eigenwillige Bilder für das aufgeheizte Diskursklima und die Radikalisierung, bis sich sogar die Untertitel verselbstständigen. Mit schwitzigen Händen schaut man der Performance zu und geht absolut durchgeschüttelt aus diesem konzeptionell-klugen und anregenden Abend. Ein Meisterwerk der Provokation.“ (Vincent Koch für die Theatertreffen-Jury) In Koproduktion mit Wiener Festwochen | Freie Republik Wien und Schauspiel Leipzig, unterstützt von De Balie (Amsterdam), SPRING Performing Arts Festival (Utrecht) und CAMPO Gent (Belgien) Josse De Pauw, Kristien De Proost – Performance Julian Hetzel – Regie Miguel Melgares – Dramaturgie Sodja Lotker, Kristien De Proost – Künstlerische Mitarbeit Bahadir Hamdemir – Video & Lichtdesign Frank Wienk – Musik & Komposition Aengus Havinga – Technische Koordination Jakob Proyer – Koordination Produktion Yola Parie – Management Produktion Tom Doeven – Sound, Programmierung Ruben Lijbers, Koen van der Heijden, Harm Bredero – Tourtechnik Timm Burkhardt – Creative Technology Esmée Begemann – Regieassistenz Django Walon – Szenografieassistenz Farah Nehme – Kostümassistenz Edd Vossen – Bühnenbau Merijn Versnel – Mechatronik Carly Heathcote – Silikonkunst Daniel Pauselius – LED-Technik Sophia op ten Berg – Praktikum Koen Van Der Heijden, Harm Bredero, Aengus Havinga, Yola Parie, Jakob Proyer – Poster Boys Uraufführung: 17.5.2025 (Wiener Festwochen | Freie Republik Wien) 1 h 35 min In englischer Sprache mit deutschen Übertiteln Empfohlen ab 16 Jahren julian-hetzel.com | festwochen.at | schauspiel-leipzig.de Publikumsgespräch am Freitag, 15.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

Der Hauptmann von Köpenick

Theatertreffen

Staatstheater Cottbus Das existenzielle Spiel mit Sein und Schein steht im Zentrum dieser höchst gegenwärtigen Interpretation des Hauptmann von Köpenick, die Sebastian Hartmann und sein spielfreudiges Ensemble expressiv und selbstbewusst überzeichnet auf die Guckkastenbühne bringen. Der gerade frisch aus dem Gefängnis entlassene Wilhelm Voigt darf nicht arbeiten, weil er keine Papiere hat. Und um diese Papiere zu bekommen, braucht er eine Arbeitsstelle. Als alle Bemühungen scheitern, die Bürokratie zu überlisten, bleibt ihm nur noch der Versuch, das System mit seinen eigenen Mitteln zu schlagen. Er verkleidet sich, tritt nochmal auf – und plötzlich spielt er mit. Aber in welchem Spiel? Oder ist das das Leben? Sebastian Hartmann ist dafür bekannt, gemeinsam mit seinem Ensemble nach grundlegend neuen Zugängen zu Stoffen zu suchen und Anknüpfungspunkte im Hier und Jetzt zu ermöglichen. Sein Hauptmann von Köpenick spielt daher nicht nur mit der eigentlichen Stückvorlage, sondern auch mit den Erwartungen des Publikums. Denn dieses hochenergetische, bildstarke und ideenreiche Kasperletheater zerrt Abhängigkeitsverhältnisse und die Brutalität der menschlichen Existenz ins grelle Rampenlicht. Jurybegründung: „Was macht man mit einem 95 Jahre alten ,deutschen Märchen‘, in dem ein gewitzter Schuster mithilfe einer ertrödelten Uniform ins Köpenicker Rathaus einmarschiert? Und das spätestens seit der Verfilmung mit Heinz Rühmann 1956 an die gehobene Fernsehkomödie verloren scheint, wobei gern mal vergessen wird, dass der Gegenstand, aus dem es sich speist – nämlich das Soldatische im Menschen – gar nicht nur lustig ist? Sebastian Hartmann und sein großartiges Ensemble haben eine grandiose Idee: Sie verhehlen weder das Abgründige noch das Komödiantische des Stoffes – ohne allerdings die Komödie im engeren Sinne zu reproduzieren. Hartmann hat die Fassade des Cottbusser Theaters auf dem Szenario nachgebaut. ,Der deutschen Kunst‘ steht dort geschrieben, und was sich nun ereignet, ist ein Marionettentheater (nicht nur) deutscher Mentalitätsgeschichte, in dem ein begnadet (selbst-)ironiebegabtes Schauspielteam das Stück von Carl Zuckmayer auf seine Gegenwartstauglichkeit abklopft. An der Oberfläche sieht das aus, als hätte die Crew eine Backstage-Klamotte lässig mit Diskursstoff veredelt. Tatsächlich aber führt es tief hinein in Wesen und Gegenwart des Soldatischen – auch im Theater.“ (Christine Wahl für die Theatertreffen-Jury) Sebastian Hartmann – Regie und Bühne Adriana Braga Peretzki – Kostüme Lothar Baumgarte – Lichtdesign Leonie Hahn – Dramaturgie Premiere: 20.9.2025 1 h 50 min, ohne Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln staatstheater-cottbus.de Publikumsgespräch am Sonntag, 17.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

A Year without Summer

Theatertreffen

Eine Produktion der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz (Berlin), Florentina Holzinger/Spirit und neon lobster Mit Poesie, Humor und Exzess erzählen Florentina Holzinger und ihr Ensemble in A Year without Summer vom Streben nach Unsterblichkeit und der Utopie in der Apokalypse. Nicht weichende Dunkelheit, grundlegende Erschütterungen, eine Welt wie in Nebel gehüllt – ist das 2025 oder 1816, das „Jahr ohne Sommer“, das auf den Ausbruch des indonesischen Vulkans Tambora folgte? Damals kamen mehrere Schriftsteller*innen, darunter die junge Mary Shelley, während der kalten und stürmischen Sommermonate am Genfer See zusammen und erzählten einander Gruselgeschichten. Mary erfand den Wissenschaftler Dr. Frankenstein, der sich der Erschaffung künstlichen Lebens widmet. Hier setzen Florentina Holzinger und das Ensemble an mit ihrer Erzählung über Gesundheit, Identität und Zerfall. In überwältigenden Bildern treffen große Gegensätze aufeinander: Jung und Alt, Schmerz und Zärtlichkeit, Mensch und Maschine, das ewige Leben und der sichere Tod. Bekannt für ihre spektakulären Performances mit Elementen aus Tanz, Akrobatik, Horror und Musik, erprobt Holzinger in A Year without Summer erstmals die Form des Musicals und entfaltet Szenen voll derbem Humor, fragiler Körperlichkeit und zeitloser Schönheit. Jurybegründung: „Was tut man in einem ,Jahr ohne Sommer‘, in dem Vulkanausbrüche und Temperaturstürze die Welt verdüstern? Die damals 18-jährige Autorin Mary Shelley erdachte in einem solchen Sommer anno 1816 das Monster Frankenstein. Und Florentina Holzinger führt alle Ereignisse zusammen und unternimmt mit ihren Performer*innen, zu denen diesmal auch eine Crew von teilweise über 80-jährigen Akteur*innen gehört, einen ebenso wilden wie ungemein luziden Ritt durch die Optimierungsgeschichte des Homo sapiens. In spektakulären und höchst komplexen Bildern führt sie den Status quo des Planeten mit der Verfallsbiografie des menschlichen Körpers zusammen und fragt – während die Roboterhunde bereits zum Angriff rüsten – nach Fluch und Verheißung des ewigen Lebens. Der Düsternis zum Trotz geschieht all das in Form eines gedanklich wie visuell überbordenden Musicals, an dessen Ende die buchstäblichste Kunst-Fäkal-Orgie der Theatergeschichte steht. Wie hier in der denkbar schonungsfreiesten Wahrheit eine absolut kitschfreie Utopie aufscheint, das hat man im Theater so noch nie gesehen.“ (Christine Wahl für die Theatertreffen-Jury) Florentina Holzinger – Regie, Choreografie, Performance Born In Flamez, Gibrana Cervantes, Stefan Schneider – Musikalische Leitung Born In Flamez, Gibrana Cervantes, Josephinex Ashley Hansis, Noah Reis Ramma, Stefan Schneider – Komposition Sofia Borges, Born In Flamez, Gibrana Cervantes, Bláthin Eckhardt, Paige A. Flash, MING, otay:onii, Stefan Schneider – Live-Musik Philipp Hülsenbeck – Weitere Musikproduktion, Mixing, Arrangements Stefan Schneider, Olivia Oyama – Sounddesign Fernando Belfiore, Sara Ostertag, Felix Ritter, Michele Rizzo – Dramaturgie Leonie Hahn – Dramaturgie Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz Uraufführung: 21.5.2025 (Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz) 2 h, ohne Pause In deutscher und englischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln Empfohlen ab 18 Jahren In Koproduktion mit Tanzquartier Wien, Kampnagel Internationales Sommerfestival, Dansenhus Stockholm, DE SINGEL, Maska Ljubljana, asphalt Festival, Rising Melbourne, Factory International Manchester, Divine Comedy International Theater Festival / Łaźnia Nowa Theater (Krakau) und Marvaða Iceland Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds und der Kulturabteilung der Stadt Wien volksbuehne.berlin Diese Produktion kann aus terminlichen Gründen im Festivalzeitraum des Theatertreffens (1. – 17.5.) nicht programmiert werden. Sie wird jedoch als „TT-Nachspiel“ im Oktober 2026 in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz gezeigt werden. Ein Ticketkontingent wird zum Vorverkaufsstart des Theatertreffens am 18. April verfügbar sein. Weitere Tickets sind ab dem regulären Vorverkauf der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz für Oktober erhältlich.
Aufführungen | Schauspiel

Il Gattopardo

Theatertreffen

Schauspielhaus Zürich Aus dem Italienischen von Burkhart Kroeber Bühnenfassung von Pınar Karabulut und Hannah Schünemann In opulenten, bis ins Detail ausgestatteten Palasträumen erzählen Pınar Karabulut und ihr Team stimmungsvoll und eindrücklich die Geschichte von Il Gattopardo als Untergang einer Familie und eines Lebensstils im Zuge von politischen Umbrüchen. Der sizilianische Fürst Don Fabrizio di Salina ist ein Patriarch alter Schule – einflussreich, gebildet, standhaft. Doch die politischen Umbrüche des 19. Jahrhunderts wirbeln seine angesehene Adelsfamilie durcheinander: Sein Neffe Tancredi schließt sich dem Freiheitskämpfer Garibaldi an und in Gestalt der jungen Angelica hält das Bürgertum Einzug in seine Familie. Wie beeinflusst die neue Weltordnung individuelle Sehnsüchte? Kann sich eine Welt, deren Macht Einzelnen zuteilwird, wirklich verändern? In Giuseppe Tomasi di Lampedusas atmosphärisch dichtem Roman Il Gattopardo verschmelzen Ambiente und Erzählung, Ortsbeschreibung und Familienpsychologie. Pınar Karabulut schafft zusammen mit dem Ensemble ein groß angelegtes, stimmungsvolles Porträt einer Epoche, das durch die beeindruckenden Bühnenbilder von Michela Flück, die prächtigen Kostüme von Sara Valentina Giancare und die fein komponierten Klanglandschaften von Daniel Murena mehrdimensional plastisch hervortritt. Jurybegründung: „Theaterabende wie Pınar Karabuluts Adaption von Giuseppe Tomasi di Lampedusas Il Gattopardo sind selten geworden. Zusammen mit der Bühnenbildnerin Michela Flück und der Kostümbildnerin Sara Valentina Giancare lässt Karabulut das aristokratische Sizilien des Risorgimento auf magische Weise wieder aufleben. Die Opulenz der Räume wie der Kostüme und das meist ungebrochen psychologische Spiel des Ensembles ziehen das Publikum tief in das 19. Jahrhundert hinein. Es kann sich in der Schönheit dieser untergehenden Welt ebenso wie in der melancholischen Noblesse des von Markus Scheumann gespielten Fürsten Don Fabrizio verlieren. Zugleich kann es aber auch Symptome unserer eigenen Zeitenwende erkennen. Karabulut bleibt nah an Lampedusas Roman und nimmt so unsere krisengeschüttelte Wirklichkeit in den Blick. Scheumanns Schlussmonolog ist nicht nur die berührende Lebensbilanz eines Sterbenden. Er ist auch eine Mahnung, anders als Don Fabrizio für das Bestehende zu kämpfen.“ (Sascha Westphal für die Theatertreffen-Jury) Pınar Karabulut – Regie Michela Flück – Bühne Sara Valentina Giancane – Kostüme Daniel Murena – Musik Michel Güntert – Licht Hannah Schünemann – Dramaturgie Premiere: 29.11.2025 3 h 30 min, eine Pause In deutscher Sprache mit englischen und italienischen Übertiteln schauspielhaus.ch Publikumsgespräch am Samstag, 2.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung in voller Länge im TV sehen am Samstag, 16.5.2026 um 20:15 Uhr auf 3sat 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung ist in voller Länge online verfügbar in der 3satMediathek und in der BerlinerFestspiele Mediathek ab Freitag, 1.5.2026 für ein Jahr
Aufführungen | Schauspiel

Mephisto

Theatertreffen

Münchner Kammerspiele Mit Mephisto bringen Jette Steckel und ihr herausragendes Ensemble den Drahtseilakt eines Schauspielers zwischen persönlichem Vorteil und Kritik am System sowie die Frage nach Kunstfreiheit in einem autoritären Regime in poetischen, klaren und fein komponierten Bildern auf die Bühne. Der Schauspieler Hendrik Höfgen ist im Begriff, den Gipfel seiner Karriere zu erklimmen: Er bekommt ein Engagement am Preußischen Staatstheater Berlin, brilliert als Mephisto in Goethes Faust und wird schließlich vom Ministerpräsidenten zum Intendanten berufen. Doch der Aufstieg hat seinen Preis: Höfgen paktiert mit dem nationalsozialistischen Regime und verfängt sich in der Rolle seines Lebens. Klaus Manns Roman Mephisto gilt als ein Schlüsselwerk der Nachkriegsliteratur und thematisiert das Verhalten und die Verantwortung des Einzelnen in einem autoritären Regime, inspiriert von realen Vorbildern. In Jette Steckels eindrücklicher und kluger Inszenierung findet die gesamte Handlung im Theater statt. Damit rückt sie auch die Rolle von Künstler*innen innerhalb des Theaterbetriebs den Fokus und schafft ein Fest der Schauspielkunst: Das Ensemble ist in Höchstform, allen voran Thomas Schmauser mit seinem vielschichten und einprägsamen Spiel, das die inneren Konflikte der Hauptfigur sichtbar werden lässt und ein Ereignis ist. Jurybegründung: „Jette Steckel und ihrem Team ist ein Abend gelungen, der den Mephisto-Roman Klaus Manns mit wenigen Sätzen Fremdtext zu einer beklemmenden, aktuellen Studie über das Verhältnis von Kunst und Macht formt. Virtuos zeigt Thomas Schmauser die Wandlung seines Hendrik Höfgen vom Vorkämpfer eines ,Revolutionären Theaters‘ zum opportunistischen Nazi-Günstling als von einer Mischung aus künstlerischer Eitelkeit und einigen Rest-Gedanken über Widerstand motiviert. Er tastet diese Figur sorgfältig von innen ab, zeigt sie als brüchig, hadernd und/oder hadern spielend. Dass Steckel selbst die Szenen dieses Abends, die im privaten Raum stattfinden, als Theater im Theater anlegt, ist deshalb nur konsequent. Es geht auch um einen Menschen-Typus, dem die Kunst die ganze Welt bedeutet und der sich der Illusion hingibt, dass das Theater ein Fluchtort ist, der letztlich unantastbar bleibt. Pustekuchen! Schaut man dem tollen Ensemble bei der Arbeit zu, sieht man auch Menschen, die die Neue Rechte nur zu gerne wieder von der Bühne verjagen würde. Dieser Abgleich zwischen der historischen Vergangenheit und der möglichen Zukunft tut richtig weh.“ (Sabine Leucht für die Theatertreffen-Jury) Jette Steckel – Regie Florian Lösche – Bühne Pauline Hüners – Kostüme Mark Badur, Elias Krischke – Musik Maximilian Kraußmüller – Lichtdesign Emilia Heinrich, Jette Steckel, Johanna Höhmann – Fassung Johanna Höhmann, Theresa Schlesinger, Carl Hegemann – Dramaturgie Premiere: 28.2.2025 3 h 40 min, eine Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln muenchner-kammerspiele.de Publikumsgespräch am Sonntag, 3.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung in voller Länge im TV sehen am Samstag, 9.5.2026 um 20:15 Uhr auf 3sat 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung ist in voller Länge online verfügbar in der 3satMediathek und in der BerlinerFestspiele Mediathek ab Freitag, 1.5.2026 für ein Jahr
Aufführungen | Schauspiel

Die Glasmenagerie

Theatertreffen

Theater Basel Das intime Porträt einer zerrütteten Familie, die am American Dream zerschellt, zeichnen Jaz Woodcock-Stewart und ihr Team in Die Glasmenagerie mit atmosphärischer Dichte und hintergründigem Humor. Es könnte ein entscheidender Abend werden für Laura Wingfield, die mit ihrer Mutter Amanda und ihrem Bruder Tom in einer bescheidenen Wohnung in St. Louis lebt. Denn Jim kommt zu Besuch und mit ihm vielleicht ein Ausweg aus dem tristen Leben, dem sich Laura durch das liebevolle Pflegen ihrer Glasfigurensammlung zu entziehen versucht. Am Ende zerbrechen jedoch nicht nur ihre Träume. In ihrer klaren und sensiblen Inszenierung der Glasmenagerie konzentriert sich Jaz Woodcock-Stewart besonders auf die Rolle von Frauen und die Mechanismen von Selbstaufopferung und Selbstoptimierung innerhalb des fragilen Familiengefüges. Wie wirkt sich der finanzielle und gesellschaftliche Druck auf die alleinerziehende Mutter und die weiteren Familienmitglieder aus? Woodcock-Stewart und ihr Ensemble laden zu einem empathischen Blick auf die Figuren und schauen zugleich hinter die Fassade. Jurybegründung: „Das Faible für narrative Ästhetik gilt als UK-typisch. Jaz Woodcock-Stewart ist eine jener jungen britischen Regisseurinnen, die gekonnt erzählen, ohne schlicht nachzuerzählen. Sie gibt Tennessee Williams’ Glasmenagerie am Theater Basel einen sehr gegenwärtigen Drive, ohne den Text – der in den späten 1930-Jahren spielt – zu zerbrechen. (Aktuelle) Powerplates, Vibrationsplatten aus dem Gym, fördern hier gerade nicht den Muskelaufbau, sondern sind im Gegenteil ironisch gewendete, kongeniale Zeichen für die Erschütterung aller Halt gebenden Strukturen. Zwischen den nackten Betonwänden verlieren sich die drei Hauptfiguren. Eine Treppe führt ins Nichts, eine Rampe in ein reduziertes Leben ohne Geld und ohne Kontakt zur Außenwelt. Die queere Tochter flieht in eine Art Hikikomori-Dasein. Kurz wird für einen Besucher der Familie eine (Haus-)Fassade über das ausgehöhlte Leben des unglücklichen Trios gekippt; das wird nichts nützen. Eine leise, zeichenstarke, berührende Arbeit!“ (Alexandra Kedves für die Theatertreffen-Jury) Jaz Woodcock-Stewart – Inszenierung Rosie Elnile – Bühne und Kostüme Josh Grigg – Sounddesign Alex Fernandes – Lichtdesign Inga Schonlau – Dramaturgie Premiere: 30.1.2025 3 h, eine Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln Empfohlen ab 14 Jahren theater-basel.ch Publikumsgespräch am Dienstag, 5.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

Serotonin

Theatertreffen

Hans Otto Theater, Potsdam Aus dem Französischen von Stephan Kleiner Theaterfassung von Sebastian Hartmann Kompromisslos und minimalistisch inszeniert von Sebastian Hartmann, porträtiert Guido Lambrecht in Serotonin mit messerscharfer Präzision einen Menschen, der an zentrale Punkte seines Lebens zurückkehrt und seine persönliche Krise mit der der westlichen Gesellschaft verwebt. Florent-Claude Labrouste hat sein Leben in eine Sackgasse bugsiert. Geprägt von gescheiterten Beziehungen, gedemütigt durch von Antidepressiva ausgelöste Impotenz, seines Lebens überdrüssig und voller Verachtung für sich selbst und die Welt um ihn herum, bricht er alle Zelte ab. Schonungslos zieht er Bilanz – unter anderem anhand der Frauen in seinem Leben. Michel Houellebecqs Roman Serotonin stellt eine zutiefst frustrierte, traurige und klagende Figur in den Mittelpunkt. Sebastian Hartmann wählt einen entschlossenen und radikalen Zugang zu diesem Stoff: Nichts lenkt ab von der großen Erzählkunst Guido Lambrechts, der in einem beeindruckenden Solo mit seinem nuancierten, präzisen und zurückgenommenen Spiel einem Mann in Auflösung Stimme und Körper verleiht. Irgendwo zwischen Installation, Performance und Theatervorstellung angesiedelt, ist Serotonin ein faszinierend herausforderndes Roadmovie des Stillstands und eine Einladung, sich dem Bühnengeschehen auszuliefern. Jurybegründung: „Eine derart reduzierte und puristische Inszenierung hat Sebastian Hartmann noch nie gezeigt. Seine Bühnenadaption von Michel Houellebecqs Roman Serotonin ist ein Meisterwerk des theatralen Minimalismus: Mehr als einen weißen Kasten, in dem nur eine weiße Holzbank steht, einen einzelnen Scheinwerfer und natürlich Guido Lambrecht braucht es nicht. Gut fünf Stunden verweilt Lambrecht in diesem Raum, dessen Weiß alles auszulöschen scheint, und breitet das verpfuschte Leben von Houellebecqs Ich-Erzähler Florent-Claude Labrouste aus. In diese schonungslose Beichte eines gescheiterten Mannes bricht immer wieder eine zweite, deutsch-deutsche Lebensgeschichte ein, die Labroustes toxische Sicht auf die Welt erweitert und kommentiert. Lambrechts zurückgenommenes wie präzises Spiel ist dabei eine kleine Theatersensation. Es erlaubt einem, tief in die Abgründe eines Mannes zu blicken und so zum Kern des momentan virulenten antimodernen Denkens vorzudringen.“ (Sascha Westphal für die Theatertreffen-Jury) Sebastian Hartmann – Regie und Bühne Lothar Baumgarte – Licht Adriana Braga Peretzki – Kostüm Christopher Hanf – Dramaturgie Premiere: 13.12.2025 circa 5 h 15 min, das Publikum ist eingeladen, nach eigenem Ermessen den Saal zu verlassen und zurückzukehren. In deutscher Sprache Empfohlen ab 18 Jahren hansottotheater.de Publikumsgespräch am Sonntag, 10.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

Fräulein Else

Theatertreffen

Volkstheater, Wien Mit Fräulein Else entwirft Leonie Böhm für und mit Julia Riedler ein präzise gearbeitetes, mitreißendes Solo, das die Novelle über Machtmissbrauch und die Verwertbarkeit weiblicher Körper in die unmittelbare Gegenwart bringt. Else verbringt den Sommer in einem noblen Kurort, als sie ein Expressbrief erreicht: Der Vater sei hoch verschuldet, sie solle den deutlich älteren Kunsthändler Dorsday um Geld anpumpen, um den Ruf der Familie zu bewahren. Doch Dorsday stellt eine Bedingung: Die benötigte Summe bekommt Else nur, wenn sie sich ihm für eine Viertelstunde nackt zur Schau stellt. Leonie Böhm sucht in ihren Arbeiten immer wieder neue Lesarten kanonischer Texte, die Begegnung im Hier und Jetzt ist ein Grundprinzip ihrer Theaterpraxis. In ihrem packenden Zugriff auf Arthur Schnitzlers berühmte Novelle Fräulein Else aus dem Jahr 1924 kehrt sie zusammen mit Julia Riedler Elses inneren Monolog nach außen und lädt das Publikum dazu ein, live über ein schambesetztes Dilemma nachzudenken, es mitzuverhandeln und sich mitverantwortlich zu fühlen. Mit Witz, Spontanität, Sprachgewalt und Facettenreichtum spielt Riedler ein umwerfendes Solo, das Doppelmoral offenlegt und patriarchalen Machtstrukturen den Kampf ansagt. Jurybegründung: „In Leonie Böhms und Julia Riedlers Schnitzler-Adaption ist fast jede Zeile aus 1924. Dass dieser Text dennoch treffsicher in der Gegenwart landet, ist der herausragenden Leistung von Julia Riedler als Else zu verdanken. Aus dem Bewusstseinsstrom der Achtzehnjährigen, die von einem Bekannten erpresst wird, sich vor ihm auszuziehen, um Geld für den verschuldeten Vater zu erhalten, entwickelt sie einen aufregenden Dialog mit dem Publikum. Riedler nimmt ihre Zuschauer*innen damit konsequent in die Verantwortung und macht sie zu Kompliz*innen in Elses auswegloser Situation. Mit unglaublicher Schlagfertigkeit und augenzwinkernder Lässigkeit hat sie den Saal in der Hand – und wickelt ihr Publikum auch gern mal um den Finger. Ihre Else ist hellwach, furchtlos und unberechenbar. Und so erträumt der Abend aus der Schnitzler-Anlage schrittweise eine Utopie für unsere Zeit, in der Machtmissbrauch immer noch allgegenwärtig ist. Ein radikal heutiges Solo und eine Übung in Empathie gleich mit.“ (Vincent Koch für die Theatertreffen-Jury) Leonie Böhm, Julia Riedler – Konzept Leonie Böhm – Regie Belle Santos – Bühne und Kostüm Ines Wessely – Lichtdesign Matthias Seier – Dramaturgie Helena Eckert – Co-Dramaturgie Vorproben Premiere: 8.2.2025 1 h 30 min, ohne Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln volkstheater.at Publikumsgespräch am Donnerstag, 7.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung in voller Länge im TV sehen am Samstag, 2.5.2026 um 20:15 Uhr auf 3sat 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung ist in voller Länge online verfügbar in der 3satMediathek und in der BerlinerFestspiele Mediathek ab Freitag, 1.5.2026 für ein Jahr
Aufführungen | Schauspiel

Wallenstein

Theatertreffen

Münchner Kammerspiele Mitten hinein in die Feldküche geht es mit Jan-Christoph Gockels spektakulärer Wallenstein-Interpretation, in der Kriegsunternehmertum, strategische Selbstdarstellung, Ambitionen, Macht und Loyalität mit einer überwältigenden Vielfalt theatraler Einfälle angerichtet und scharf abgeschmeckt werden. Im Dreißigjährigen Krieg führt Wallenstein als Oberbefehlshaber zahlreiche Söldnerheere an. Er bezahlt sie mit Plünderungen der eroberten Gebiete und macht selbst noch Profit, gemäß dem Motto „Der Krieg ernährt den Krieg“. Als Wallenstein nach politischer Macht greift, lässt der Kaiser ihn ermorden. Im Jahr 2023 bricht Yevgeny Prigozhin, „Putins Koch“ und Kopf der Söldnergruppe Wagner, mit seiner Truppe zu einem Marsch nach Moskau auf. Der Aufstand scheitert, ein Flugzeug mit Prigozhin an Bord stürzt kurz darauf ab. Jan-Christoph Gockel verknüpft mit einer überbordenden Fülle an kreativen Ideen, Anspielungen und Stilen Friedrich Schillers monumentale Wallenstein-Trilogie mit einer zweijährigen Recherche des Produktionsteams über Ex-Söldner in der Gegenwart. Im Zentrum der einfallsreichen Inszenierung stehen die Menschen in Wallensteins Lager: Soldaten, Händler*innen, Kinder und Bauern aus dem Tross – mit ihren heutigen Entsprechungen. Wie sich annähern an den Krieg als Lebensform? Gockel und sein Ensemble entwerfen mit einem Festmahl auf der Bühne, Party, Live-Video, Marionetten, Schauspiel und Lecture Performance ein Spektakel für alle Sinne. Jurybegründung: „Eine Doppelbelichtung der Mechanik des Krieges und eine überbordende Feier des Theaters: Das und noch viel mehr gelingt diesem Wallenstein. Sieben Stunden nehmen sich Jan-Christoph Gockel und sein Team von Individualist*innen dafür Zeit. Dass sie einem nicht lang werden, liegt an der Vielzahl der Perspektiven auf den Stoff, die sich manchmal reiben, aber immer wunderbar miteinander räsonieren. Es geht um Söldnerheere gestern und heute, um militärische Strippenzieher, die selbst an fragilen Strippen hängen, um Loyalität und die Schwierigkeit, Kriege wieder zu beenden. Zentral für die Bildwelten und den Humor des Abends sind Schillers berühmter Satz ,Der Krieg ernährt den Krieg‘, die Figur des russischen Söldnerführers Jewgeni Prigoschin und der Harry Potter-Zauberspruch ,Riddikulus‘, der beängstigende Dinge in etwas Komisches verwandelt und die lähmende Angst vertreibt. In diesem immersiven, zwischen Investigativ- und Literatur-Theater, Performance, Schau- und Puppenspiel, feiner Ironie, Satire und Ernst aufgespannten Meisterstück bleibt dagegen alles in Bewegung. Sogar die Hoffnung auf den Menschen im Krieger.“ (Sabine Leucht für die Theatertreffen-Jury) Jan-Christoph Gockel – Regie Julia Kurzweg – Bühne Janina Brinkmann – Kostüme Maria Moling – Musik / Komposition (Live-Musik) Lion Bischof – Videodesign Christian Schweig, Stephan Mariani – Lichtdesign Michael Pietsch – Puppenbau Annette Paulmann – Piccolomini-Menü Viola Hasselberg, Claus Philipp – Dramaturgie Sergei Okunev – Dramaturgische Mitarbeit und Recherche Cico Beck – Musik Mitarbeit Yvonne Griesel (SPRACHSPIEL) – Übertitel Premiere: 4.10.2025 muenchner-kammerspiele.de 7 h, drei Pausen In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln 3sat-Preis an Katharina Bach am Samstag, 9.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung Publikumsgespräch am Sonntag, 10.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung am 10.5.2026 wird ab 17:00 Uhr als zeitversetzter Livestream übertragen in der 3satMediathek und in der BerlinerFestspiele Mediathek
Aufführungen | Theater

Wedding, mon amour (GWSW Folge 141)

Prime Time Theater

C’est la vie! … und zwar so richtig: Im Wedding tobt sich das Leben mal wieder voll aus. Auf den Champs-Élysées des Nordens – der Müllerstraße – geben sich unterschiedliche Schicksalswendungen zwischen Baguette und Börek, Brioche und Baklava, Crêpes und Köfte à la minute die Klinke in die Hand. Moni und Habibi sind endlich am Leopoldplatz eingezogen und würden ihre noch junge Liaison eigentlich gern genießen. Allerdings kommen beiden Beruf und Berufung dazwischen: Habibi versucht sich weiterhin als Avantgardist der Käse-Manufacture. Nachdem er einen Platz bei der Französischen Woche im Centre Français ergattern konnte, möchte er dort alsbald seine neueste Création anbieten. Das geht aber nur, wenn er als kulturelles Highlight seiner Performance den Pariser Chansonnier Jean-Jacques Frack in den Wedding locken kann – und da wird es difficile … Moni unterdessen ermittelt nach wie vor im Fall „Vati Horvarth“. Der uckermärkische Pastor steht im Verdacht, Gottliebsweg-Pilger*innen systematisch übers Oreille gehauen und einigen von ihnen en passant gleich noch das Gehirn gewaschen zu haben. Gleichzeitig befasst sich Folge 141 von „Gutes Wedding, Schlechtes Wedding“ mit Erbschaftsfragen: Die neulich ganz malad in die Clinique eingelieferte Kerstin Anneliese Pfeiffer möchte kürzer treten und die Geschäfte an die nächste Génération übergeben. Um ihren letzten (und zwölften) Sohn ausfindig zu machen, setzt die Grande Dame der Weddinger Taxibranche ausgerechnet Privatdetektiv Günther Fisch ein. Für ihn könnte sie damit jedoch in gewisser Hinsicht zur Femme fatale werden. Oh là là … !
Aufführungen | Schauspiel

"Mephisto" nach Klaus Mann

Uckermärkische Bühnen Schwedt

»Standing Ovations für „Mephisto“.... Theater, wie es sein soll.« Stadttheater Landsberg, Kreisbote/Münchner Merkur Das Neue Globe Theater Potsdam präsentiert noch einmal diese außergewöhnliche Produktion mit Live-Musik: „Mephisto“ – eine Theaterinszenierung, die die glamourösen und düsteren Facetten der 1920er und 1930er Jahre in Berlin zum Leben erweckt. Diese Bühnenfassung von Kai Frederic Schrickel, nach einer Bearbeitung des Berliner Ensembles, nimmt das Publikum mit auf eine Zeitreise in das brodelnde Künstlerleben Berlins der Weimarer Republik bis hin zum Aufstieg des Nationalsozialismus. Mit einem Hauch von Kabarett und begleitet von einem Conférencier führt „Mephisto“ die Zuschauer durch eine Welt des Theaters, in der jeder Moment als Tanz auf dem Vulkan erscheint. Die Inszenierung belegte 2024 den zweiten Platz beim Theaterpreis der INTHEGA „Die Neuberin“. Erleben Sie, wie der Schauspieler Hendrik Höfgen mit seinem „Pakt mit dem Teufel“ ringt und dabei die Frage aufwirft: Was ist der Preis des Ruhms? Verpassen Sie nicht die Gelegenheit, dieses Stück über Ambition, Macht und Selbstbetrug live zu erleben. Wir laden zu einer unvergesslichen Theatererfahrung ein, die den Geist der Ära einfängt – als kritische, aber durchaus unterhaltsame Revue. 34,90 € Tickets online oder über Besucherservice 03332 538 111
Aufführungen

neue Veranstaltung

Uckermärkische Bühnen Schwedt

Aufführungen | Comedy

Rüdiger Hoffmann -"Andererseits..."

Uckermärkische Bühnen Schwedt

Endlich geht der ganz normale Wahnsinn weiter in seinem neuen Programm: „Andererseits…“ feiert Rüdiger Hoffmann die kleinen und die großen Katastrophen unseres Alltags – entspannt, gnadenlos, befreiend. Zwischen schamanischer Paartherapie, Influencer-Schwiegertochter und Heimwerker-Apokalypse zeigt er: Was schief gehen kann, geht schief – und das ist auch das Schöne daran. Entspannt, gnadenlos, befreiend. Comedy als Kurzurlaub für die gestresste Seele! 20. Mai 2026, 19:30 Uhr, Kleiner Saal, 43,50 € Tickets online oder über Besucherservice Tel. 03332 538 111

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