Ausstellungen
| Installation
Ausstellungen / Museum
Staatliche Museen zu Berlin
Berlin, Genthiner Straße 38
- Ausstellungseröffnung: Skandal! Hermione von Preuschen und der Mors Imperator
- Ausstellungseröffnung: Shilpa Gupta. What Still Holds
- Ausstellungseröffnung: Toyin Ojih Odutola. U22 – Adijatu Straße
- Ausstellungseröffnung: Zurück in Berlin
- Schicksal in den Sternen. Die Anfänge des Tierkreises
- Brancusi
- Ghostbuster: Zhong Kui, der Geisterjäger. Hier zum Schutz der Familie
- Tausend Pinsel, ein Stil! (Teil 2). Das Haus Kano und Malerei als Familiengeschäft
- Jerszy Seymour: Mutuogenesis
- Giulia Andreani: Sabotage
- Bosporus Beats
- Gebaute Gemeinschaft
- Fashion x Craft: Echoes of Tomorrow
- Gallery Looks
- Kulturforum JETZT!
- Möglichkeiten einer Insel
- Saâdane Afif: Five Preludes
- Alles unter dem Himmel. Harmonie in der Familie und im Staat
- An das wir uns festhalten
- Sich verwandt machen
- Hommage an Vittore Carpaccio
- Heimsuchung: 40 Jahre KGM am Kulturforum
- Annika Kahrs - OFF SCORE
- Die Pazzi-Verschwörung
- Petrit Halilaj - An Opera Out of Time
- Grundstein Antike. Berlins erstes Museum
- Zeitreise ins alte Tiergartenviertel
- Die Ziguangge: Halle des Purpurglanzes
- Ausstellungseröffnung: Fokus Schinkel. Ein Blick auf Leben und Werk
- Ausstellungseröffnung: Haus Lemke - Die Möbel von Mies van der Rohe und Lilly Reich
- Berliner Skulpturenfund
- Geschichte(n) Tansanias
- Das Taufbecken von Siena
- Museum in Bewegung. Eine Sammlung für das 21. Jahrhundert
- Achtung: Design!
- Forum Hamburger Bahnhof
- Nationalgalerie. Eine Sammlung für das 21. Jahrhundert
- Unendliche Ausstellung
- Die Prinzessinnen sind zurück!
- Schlüssel zur christlichen Kunst
- Gerhard Richter. 100 Werke für Berlin
- Das Museum Berggruen zu Gast in der Sammlung Scharf-Gerstenberg
- Sammlungspräsentation: Die Kunst des 19. Jahrhunderts
- Schätze aus dem Rhein. Der Barbarenschatz von Neupotz
- Klartext. Zur Geschichte des Bode-Museums
- Online-Angebote der Staatlichen Museen zu Berlin
- Ideal und Form.
- SMB-digital
- Museumsshops der Staatlichen Museen Berlin
- Museum and the City: Der Blog der Staatlichen Museen zu Berlin
- Die Sammlungen. The Collections. Les Collections
- Zurück! Steinzeit. Bronzezeit. Eisenzeit
- Altes Ägypten
- Pergamonmuseum. Das Panorama
- Kulturkontakte. Leben in Europa
- alle Museen im Überblick
Ausstellungen / Museum
Stadtmuseum Berlin
Berlin, Poststraße 13-14
- Heute noch, morgen schon
- Wenn ich König*in wäre…
- Dara Tûyê – درخت توت – Der Maulbeerbaum
- Beziehungsweise Familie
- Aufbruch in die Moderne
- BerlinZEIT
- Berlins Mitte
- Leben im Mittelalter
- Berlin global
- Online-Fotoschau: Leonore Schwarzer
- Beletage & Zuckerwatte
- Märkisches Museum
- [Probe]Räume
- Berliner Leben im Biedermeier
- Vom Stadtgrund bis zur Doppelspitze
- Museumsdorf Düppel
- Architektur begreifen
- BERLIN GLOBAL - Humboldt Forum
- Foto-Grafisches Kabinett
- Museum Ephraim-Palais
- Museum Knoblauchhaus
- Museum Nikolaikirche
- Sammlung Online
- Themeninseln im Freilichtmuseum
- Acht Standorte, eine Geschichte
Ausstellungen / Museum
Erinnerungsstätte Notaufnahmelager Marienfelde
Berlin, Marienfelder Allee 66-80
Ausstellungen / Werkstatt/Workshop
Brandenburgischer Kunstverein Potsdam e.V.
Potsdam, Brendenburgerstraße 5 (Luisenforum)
Ausstellungen / Museum
Rochow-Museum im Schloss Reckahn
Lehnin / OrT Reckahn, Reckahner Dorfstraße 27
Ausstellungen
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Shilpa Gupta. What Still Holds
Staatliche Museen zu Berlin
Ausgangspunkt von Shilpa Guptas Einzelausstellung im Hamburger Bahnhof ist das monumentale Werk TRUTH an der Schnittstelle von Sprache, Macht und Kontrolle. Während sich die Besucher*innen durch die überdimensionalen Buchstaben im Ausstellungsraum bewegen, hinterfragt das Kunstwerk Mechanismen, die Wahrheit bewahren oder verschleiern. Die skulpturale Installation zeigt auf, wie gemeinschaftlicher Fortschritt davon abhängt, Wahrheit zu beschützen und zu hinterfragen. Ergänzt um weitere Werke der Künstlerin wird Guptas Ausstellung im Hamburger Bahnhof im Dialog mit der Sammlungspräsentation Joseph Beuys gezeigt. Die parallele Betrachtung verweist auf Ähnlichkeiten im Umgang mit Sprache, Partizipation und soziale Reflexion. Als Teil des Jubiläumsprogramms hebt die Ausstellung den künstlerischen Austausch als zentrales Thema des Hamburger Bahnhofs seit der Museumsgründung hervor. Shilpa Gupta (geboren 1976 in Mumbai, Indien) lebt und arbeitet in Mumbai. Guptas multidisziplinäre Praxis aus Installation, Video, Skulptur und Performance setzt sich mit der sozialen Gliederung der Gesellschaft sowie mit gemeinsamen Geschichten und deren soziopolitischer Folgen auseinander. Ihre Installationen verhandeln oft Formen der Vermittlung von Informationen und Gefühlen durch das geschriebene, gesprochene oder gesungene Wort und wie diese geteilt oder systematisch unterdrückt werden. Ausgewählte Einzelausstellungen: Ishara Art Foundation, Dubai (2025); Centro Botín, Santander (2024); Amant, New York (2023); MAXXI L'Aquila (2023); M HKA, Antwerp (2021); Dallas Contemporary, Dallas (2021); Barbican Centre, London (2021); Contemporary Arts Center, Cincinnati (2010). Gupta erhielt 2025 den Possehl Prize for International Art. Nach Naama Tsabar, Andrea Pichl und Delcy Morelos, ist dies die vierte Ausstellung einer Künstlerin im Dialog mit der Joseph Beuys Sammlungspräsentation in der Kleihueshalle im Hamburger Bahnhof. Katalog zur Ausstellung Begleitend zur Ausstellung erscheint eine Ausgabe der Katalogreihe des Hamburger Bahnhofs, herausgegeben von Silvana Editoriale Milano. Kuratorisches Team Die Ausstellung wird kuratiert von Sam Bardaouil, Direktor Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart und Ulya Soley, Kuratorin am Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart. Die Ausstellung ist Teil des Jubiläumsprogramms 30 Jahre Hamburger Bahnhof . 2026 feiert der Hamburger Bahnhof sein 30-jähriges Bestehen mit einem Programm, das den Bogen von der Geschichte des Ortes bis in die Zukunft spannt: Acht Sonderausstellungen, eine neue Sammlungspräsentation sowie Performances und Konzerte tragen das Museum weit in den Stadtraum hinaus. Höhepunkt ist das Jubiläumswochenende vom 13. bis 15. November, an dem eine internationale Konferenz zur Zukunft zeitgenössischer Sammlungsmuseen stattfindet und das Haus für 30 Stunden durchgehend geöffnet ist. Die Ausstellung wird unterstützt von den Hamburger Bahnhof International Companions e. V. Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin
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Skandal!
Skandal!
Hermione von Preuschen und der Mors Imperator
Staatliche Museen zu Berlin
Die Alte Nationalgalerie widmet sich in der Ausstellung "Skandal! Hermione von Preuschen und der 'Mors Imperator'" der Malerin, Schriftstellerin und Weltreisenden Hermione von Preuschen. Im Mittelpunkt steht ihr 1887 entstandenes Gemälde „Mors Imperator“, dessen Zurückweisung durch die Berliner Akademie der Künste sie schlagartig bekannt machte. "Das Genie [ist] so frei, sich nicht ans Geschlecht zu kehren, es fliegt in die Seelen wem und wie es will". Diese Worte äußerte die Malerin, Dichterin und Weltreisende Hermione von Preuschen auf dem "Internationen Frauenkongress" in Berlin 1896, auf dem sie sich mit ihrer Rede "Über das künstlerische Studium der Frau" für die Emanzipation der Frauen einsetzte, denen damals die Ausbildung an den Akademien verwehrt war. Die 1854 in Darmstadt geborene Künstlerin hatte ab 1872 für drei Jahre Malunterricht bei Ferdinand Keller in Karlsruhe genommen, unter dessen Einfluss sie ihren dekorativen, pathetischen Stil entwickelte und das "historische Stillleben" für sich entdeckte. 1887 schuf sie ihr bemerkenswertes Gemälde "Mors Imperator", mit dem sie eine Reihe großformatiger symbolistischer Kompositionen eröffnete. Im Zentrum des Gemäldes steht ein Skelett als Herrscherfigur im Purpurmantel mit Hermelinpelz. Mit der rechten Hand auf ein Schwert gestützt, stößt es mit der linken in einer autoritären Geste den prächtigen Thron um. Die Gestalt trägt auf dem Schädel eine eiserne Zackenkrone, während eine mit Edelsteinen besetzte Krone zu Boden fällt. Der rechte Fuß steht auf einer Erdkugel – der Tod erscheint hier als triumphierender Herrscher über die Welt. Von Preuschen sandte das Werk 1887 nach Berlin zur Akademieausstellung. Deren Jury lehnte das Bild jedoch ab, weil sie in der Darstellung eine Anspielung auf den 90-jährigen Kaiser Wilhelm I. sah. Auch nachdem es der Malerin gelungen war, die Erklärung des Kaisers zu erwirken, keinen Einwand zu erheben, verweigerte die Akademiejury weiterhin die Annahme des Gemäldes. Inzwischen war auch die künstlerische Ausführung kritisiert worden, die man zuvor noch gelobt hatte: »Der unkünstlerische Ausdruck eines schiefen Gedankens.« Der weitere Verlauf offenbart von Preuschens hervorragendes Verständnis für die Mechanismen des Kunstbetriebs und die Macht öffentlicher Aufmerksamkeit sowie ihr ausgeprägtes Selbstbewusstsein in einer Zeit, in der Künstlerinnen erheblichen Widerständen begegneten. Als taktischen Gegenzug mietete sie in Berlin Räume in der Leipziger Straße 43, um das umstrittene Gemälde, dessen Zurückweisung bereits in der Presse diskutiert wurde, gegen Eintritt öffentlich zu zeigen. Der Erfolg war überwältigend. Zahlreiche Besucher strömten herbei, Zeitungen berichteten ausführlich, und nicht wenige Kritiker stellten die Entscheidung der Jury offen in Frage. Die damals 33-jährige Malerin konnte ihren Triumph feiern: Der Skandal um »Mors Imperator«wurde zum Stadtgespräch und machte sie schlagartig berühmt. Neben dem Gemälde werden Publikationen, Briefe und Fotos präsentiert, die sowohl den Skandal um von Preuschens wohl bekanntestes Bild als auch ihr Wirken als Schriftstellerin, Weltreisende und Bauherrin des „Tempio Hermione“ in Lichtenrade, einem Vorort Berlins, dokumentieren. Kuratorin: Birgit Verwiebe (Bild: Hermione von Preuschen: Mors Imperator (Detail), 1887, Privatbesitz © Alte Nationalgalerie, Mika Wißkirchen)
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Schicksal in den Sternen. Die Anfänge des Tierkreises
Staatliche Museen zu Berlin
Die Ausstellung im Neuen Museum widmet sich der Geschichte und der Bedeutung des Tierkreises von Babylonien bis Ägypten und die Griechisch-römische Welt. In mehrere Themenbereiche untergliedert, stellt sie den antiken Tierkreis aus aktueller wissenschaftlicher und gesellschaftlicher Perspektive vor. “Was ist dein Tierkreiszeichen?” Diese Frage wird auch heute, im Zeitalter der Wissenschaft, noch oft gestellt. Der Tierkreis fasziniert die Menschen seit der Antike. Er vereint Mensch und Kosmos, Himmel und Erde, Astronomie und Astrologie, Wissenschaft und Glaube, Tradition und Innovation, Sicherheit und Unsicherheit, Harmonie und Dissonanz. Aber was genau ist der Tierkreis? Ein Orakel, das Zeichen für die Zukunft erzeugt? Ein Spiegel, der Einblicke in die Psyche liefert? Eine Projektionsfläche für unser Streben nach Wissen und Sicherheit? Ein Koordinatensystem, das die Bewegung der Planeten berechenbar macht? Ein sichtbarer Ausdruck der himmlischen Harmonie? Oder all diese Dinge zugleich? Und woher kommt er, wie hat er sich über die Welt verbreitet, wofür wurde er benutzt, und wie wurde er dargestellt? Was ist die zeitgenössische Bedeutung des Tierkreises? In der öffentlichen Wahrnehmung wird der Tierkreis heute vor allem mit Horoskopen in Verbindung gebracht. Die Einführung des Tierkreises war ein Wendepunkt in der Astrologie. Zusammen mit dem Tierkreis entstand in Babylonien die Horoskopie als neue astrologische Praktik, die erstmals nicht nur Königen und Herrschern, sondern auch Privatpersonen aus diversen Schichten der Gesellschaft zugänglich war. Heute ist sie weltweit populär wie nie zuvor, obwohl sie als esoterische Praktik und Pseudowissenschaft eingestuft wird. Sie basiert auf dem Glauben, dass der Stand der Planeten zur Zeit der Geburt Hinweise über das Wesen und das Schicksal eines Menschen enthält. Dieser Glaube entstammt dem zeitlosen menschlichen Bedürfnis nach Sinngebung, Kenntnis über sich selbst und die Zukunft, Sicherheit und Methoden zur Bewältigung von Unsicherheit. Was könnte sinnvoller und attraktiver sein als die Erkenntnis, dass Wesen und Schicksal des Menschen mit dem Kosmos verknüpft sind? Die Aktualität des Tierkreises erstreckt sich auch auf wissenschaftliche und kulturelle Praktiken, die von zentraler Bedeutung für die moderne Gesellschaft sind. Wir sind daran gewöhnt, über Computer und Apps permanenten Zugang zu Daten, Analysen, Berechnungen und Prognosen zu haben. Die Wurzeln von systematischer Beobachtung, Datensammlung, Datenanalyse, Algorithmen, Berechnung und Vorhersagung liegen im Tierkreis und in den astronomischen Rechenverfahren, die im Zusammenhang mit dem Tierkreis in der Antike entwickelt wurden. Außerdem ist die Reise des Tierkreises und der damit verknüpften neuen astronomischen und astrologischen Kenntnisse und Praktiken durch die antike Welt ein Paradebeispiel für Innovation, Globalisierung, interkulturellen Austausch und Multikulturalität - zentrale und aktuell vieldiskutierte Gesellschaftsthemen. Die Ausstellung im Neuen Museum stellt in mehreren Themenbereichen den Tierkreis der alten Welt aus aktueller wissenschaftlicher und gesellschaftlicher Perspektive vor. Anhand von Artefakten aus Berliner Museen, darunter solchen, die noch nie ausgestellt wurden, führt sie die Besucher auf eine multikulturelle Reise durch Raum und Zeit, von Babylonien nach Ägypten, Griechenland und Rom (ca. 400 v. Chr. - 400 n. Chr.) und erklärt den Tierkreis vor dem Hintergrund seiner heutigen Bedeutung. Kuratorisches Team Die Ausstellung entstand in einer Kooperation zwischen dem Ägyptische Museum und Papyrussammlung, dem Vorderasiatischen Museum und dem Forschungsprojekt “ZODIAC - Ancient Astral Science in Transformation” (European Research Council / Freie Universität Berlin). Publikation Zur Ausstellung wird ein reich bebilderter Katalog erhältlich sein. (Bild: Malerische Umsetzung des runden Himmelsbildes aus Dendera an einer Decke im Neuen Museum (Detail) © Staatliche Museen zu Berlin, Ägyptisches Museum und Papyrussammlung, Foto: Sandra Steiß)
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Ghostbuster: Zhong Kui, der Geisterjäger.
Ghostbuster: Zhong Kui, der Geisterjäger.
Hier zum Schutz der Familie
Staatliche Museen zu Berlin
Legenden zufolge soll Zhong Kui 鍾馗 ein brillanter Gelehrter gewesen sein. Obwohl er in der kaiserlichen Beamtenprüfung „Prüfungserster“ wurde, verweigerte der Kaiser ihm aufgrund seines Aussehens diesen Ehrentitel (狀元). Aus Wut nahm er sich das Leben. Der Höllenkönig erkannte jedoch sein Potenzial und beauftragte ihn, böse Geister zu jagen. In der Kunst wird Zhong Kui oft als mit Beamtenhut, buschigem schwarzem Bart, hervorquellenden Augen und zornigem Gesichtsausdruck dargestellt. Mal schwingt er ein Schwert, mal ist er der pflichtbewusste Bruder, der seine Schwester vermählt. Holzschnitte mit ihm auf Haustüren beschützen besonders zum Neujahr oder Drachenboot-Fest Geschäfte und Familienheime. Heute erscheint Zhong Kui Geister jagend auch in Videospielen. Kuratorin Die Ausstellung wird kuratiert von Birgitta Augustin. Eine Wechselpräsentation des Museums für Asiatische Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin im Humboldt Forum, Raum 319, „Künstler und Kenner“ (Bild: Zhong Kui als Beschützer des Hauses, China, Zhuxianzhen, Provinz Henan, 1. Hälfte 20. Jh., Holzschnitt © Staatliche Museen zu Berlin, Museum für Asiatische Kunst)
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Brancusi
Staatliche Museen zu Berlin
Brancusi (1876-1957) zählt zu den bedeutendsten Bildhauern des 20. Jahrhunderts. Nach traditionell-akademischen Anfängen in Rumänien fand er ab 1907 in Paris zu einem eigenen Stil. Seine organischen bis auf das Wesentliche reduzierten Skulpturen machen ihn zum Vorreiter der skulpturalen Abstraktion im frühen 20. Jahrhundert. Brancusis stetige Suche nach einem künstlerischen Ideal manifestiert sich in den formalen Variationen weniger Motive und dem Spiel mit wechselnden Materialien und Oberflächen. Gekonnt nutzte er spezifische Sockel, Licht, Bewegung sowie Fotografie und Film, um seine Skulpturen in Szene zu setzen. In Kooperation mit dem Centre Pompidou in Paris zeigt die Neue Nationalgalerie die erste Werkschau des Ausnahmekünstlers seit über 50 Jahren in Deutschland. Mit über 150 Skulpturen, Fotografien, Zeichnungen, Filmen und bisher kaum gesehenen Archivmaterialien aus dem Centre Pompidou sowie aus weiteren privaten und öffentlichen internationalen Sammlungen, präsentiert die Ausstellung den bisher umfangreichsten Überblick über Brancusis vielseitiges Schaffen. Neben Hauptwerken wie „Der Kuss“, „Vogel im Raum“, „Schlummernde Muse“ oder „Unendliche Säule“zeigt die Ausstellung eine Teilrekonstruktion des berühmten Ateliers von Brancusi, das damit erstmals seit seiner Übergabe an den französischen Staat 1957 außerhalb von Paris zu sehen ist. Während das Werk von Constantin Brancusi in Frankreich sehr populär ist, ist der Bildhauer in Deutschland bisher nur Eingeweihten ein Begriff. Die Ausstellung soll dem Künstler auch in Deutschland die ihm gebührende Wahrnehmung verleihen. Die Ausstellung steht unter der gemeinsamen Schirmherrschaft von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier und von Herrn Emmanuel Macron, Präsident der Französischen Republik. Kuratiert von: Klaus Biesenbach und Maike Steinkamp, Neue Nationalgalerie sowie von Ariane Coulondre und Valérie Loth, Centre Pompidou, Paris Kuratorische Assistenz: Nikola Richolt Projektmanagement: Andre Odier, Sina Jentzsch Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie. Eine Sonderausstellung der Neuen Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin in Kooperation mit dem Centre Pompidou (Bild: Muse endormie, 1910, Bronze © Succession Brancusi, Foto: Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. GrandPalaisRmn, © VG Bild-Kunst, Bonn 2025)
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Tausend Pinsel, ein Stil! (Teil 2).
Tausend Pinsel, ein Stil! (Teil 2).
Das Haus Kano und Malerei als Familiengeschäft
Staatliche Museen zu Berlin
Kano – für fast vierhundert Jahre zwischen den 1480ern und 1880ern steht dieser Familienname in Japan durch einen kohärenten, wiedererkennbaren Stil als Marke für Bilder der Macht. Organisiert als familienähnlicher Verbund von Werkstätten unter der Leitung eines männlichen Oberhaupts, kann das Netzwerk der Kano ab dem 17. Jahrhundert jederzeit eine Vielzahl von Malern mobilisieren, die selbst umfangreichste Großprojekte wie etwa die Ausmalung schlossartiger Residenzen arbeitsteilig organisieren und in kürzester Zeit realisieren. Die Möglichkeit, begabte Schüler durch Adoption und häufig Verheiratung mit weiblichen Familienangehörigen in das Haus Kano aufzunehmen, sichert dessen Kontinuität und sorgt regelmäßig für neue Talente. Erst der Niedergang der Militäraristokratie im 19. Jahrhundert leitete auch das Ende der Kano ein. Dieser zweite Teil der Wechselpräsentation zeigt eine Auswahl von Malerei der Kano aus der Sammlung des Museums für Asiatische Kunst mit Schwerpunkten auf jahreszeitlichen Bildern und der Entwicklung der Kano-Tradition im 18. und 19. Jahrhundert. „Tausend Pinsel, ein Stil! – das Haus Kano und Malerei als Familiengeschäft“ ist eine Wechselpräsentation des Museums für Asiatische Kunst im Humboldt Forum, Raum 318, „Kunst aus Japan“. (Bild: Werkstatt des Kano Jinnojō (k.D., tätig 1. H. 17. Jh.) zugeschrieben, Landschaft mit Figuren, Stellschirm zu 6 Paneelen, Tusche, Farben und Gold auf Papier © Staatliche Museen zu Berlin, Museum für Asiatische Kunst, Sammlung Klaus F. und Yoshie Naumann / Jörg von Bruchhausen)
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Giulia Andreani: Sabotage
Staatliche Museen zu Berlin
Giulia Andreani eröffnet das Jubiläumsprogramm des Hamburger Bahnhof mit Gemälden, die Brüche in offiziellen Geschichtsschreibungen sichtbar machen. Andreanis künstlerische Praxis des „Malens mit Fotografien“ lebt vom Spannungsfeld zwischen autoritären Figuren und vergessenen Gestalten der Vergangenheit. Ausgangspunkt der figurativen, monochromen Gemälde, deren Paynesgrau an historische Fotografien erinnert, sind Familienalben oder Archive. Sie enthüllen Geschichten, thematisieren kollektives Vergessen und öffnen neue Bedeutungsschichten für die Gegenwart. Andreanis Jubiläumsbeitrag rahmt historische Sammlungen durch zeitgenössische Perspektiven neu: Die Ausstellungsarchitektur verweist auf Sigmar Polkes Ausstellung „Drei Lügen der Malerei“ im Hamburger Bahnhof von 1997 und ihre Gemälde werden gemeinsam mit Werken der Antikensammlung, des Kunstgewerbemuseums, des Museums Europäischer Kulturen und des Kupferstichkabinetts gezeigt. Andreani (geboren 1985 in Mestre, Italien) studierte Malerei an der Accademia di Belle Arti in Venedig und Kunstgeschichte der Gegenwart an der Sorbonne Paris. 2018 war Andreani Stipendiatin der Villa Medici, der Französischen Akademie in Rom. 2022 stand sie auf der Shortlist für den Prix Marcel Duchamp. Ihre Arbeiten sind vertreten in Sammlungen u. a. Centre Pompidou (Frankreich), Musée National de l'Histoire de l’Immigration (Frankreich), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Italien), MASI (Schweiz) und MASP (Brasilien). Die Ausstellung im Hamburger Bahnhof ist Andreanis erste institutionelle Einzelausstellung in Deutschland. Begleitend zur Ausstellung erscheint eine Ausgabe der Katalogreihe des Hamburger Bahnhofs, herausgegeben von Silvana Editoriale Milano. Die Ausstellung wird kuratiert von Sam Bardaouil und Till Fellrath, Direktoren Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart und Emily Finkelstein, Assistenzkuratorin Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart. Die Ausstellung ist Teil des Jubiläumsprogramms 30 Jahre Hamburger Bahnhof. 2026 feiert der Hamburger Bahnhof sein 30-jähriges Bestehen mit einem Programm, das den Bogen von der Geschichte des Ortes bis in die Zukunft spannt: Acht Sonderausstellungen, eine neue Sammlungspräsentation sowie Performances und Konzerte tragen das Museum weit in den Stadtraum hinaus. Höhepunkt ist das Jubiläumswochenende vom 13. bis 15. November, an dem eine internationale Konferenz zur Zukunft zeitgenössischer Sammlungsmuseen stattfindet und das Haus für 30 Stunden durchgehend geöffnet ist. Die Ausstellung wird unterstützt von den Hamburger Bahnhof International Companions e. V. Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Bild: Giulia Andreani, L'improduttiva, Detail, 2023 © Giulia Andreani / VG Bild-Kunst, Bonn 2025, courtesy of Galerie Max Hetzler & Collezione Maramotti / Foto: Charles Duprat)
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Jerszy Seymour: Mutuogenesis
Staatliche Museen zu Berlin
„Mutuogenesis“ ist eine lebendige soziale Skulptur als Ausstellung und Prototyp einer neuen Form des Lebens, Lernens, Produzierens und der Gemeinschaft, deren Kern soziale und ökologische Gerechtigkeit bildet. Zwischen dem Neuköllner Co-Lab „Lucky Garage“ im Stadtteilzentrum Falscher Fisch und dem Kunstgewerbemuseum findet die Zusammenarbeit des Künstlers und Designers Jerszy Seymour mit der internationalen, jungen Community der S27 – Kunst und Bildung statt. Durch die Gemeinschaftsarbeit entsteht eine immersive, vielfarbige, mutuogene Umgebung aus wiederverwerteten Materialien, die alle Lebensfunktionen bietet und die Bühne für ein Programm mit Vorträgen, Performances und Interventionen einer Reihe diverser Künstler*innen, Designer*innen und Aktivist*innen schafft. Eine Ausstellung des Kunstgewerbemuseums – Staatliche Museen zu Berlin in Kooperation mit S27 – Kunst und Bildung. Verein zur Förderung der Interkulturellen Jugendarbeit e. V. (Bild: Prototypen der Lucky Tische (recyceltes MDF) – ARRIVO mit Jerszy Seymour Design Workshop 2025 Foto: Jerszy Seymour Design Workshop 2025)
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Peter Hujar / Liz Deschenes: Persistence of Vision
Martin-Gropius-Bau Berlin
Die Ausstellung Persistence of Vision vereint die Arbeiten von Peter Hujar und Liz Deschenes und bringt diese in einen generationsübergreifenden Dialog über Fotografie. Hujar, der in der Zeit zwischen den Stonewall-Protesten von 1969 und dem Ausbruch der AIDS-Krise in den 1980er Jahren in New York City arbeitete, hielt eine entscheidende kulturelle Phase in eindringlichen Schwarz-Weiß-Fotografien fest. In der Ausstellung werden Hujars Fotografien mit zeitgenössischen Werken der in New York City lebenden Künstlerin Deschenes verwoben. Diese Konstellationen laden dazu ein, innezuhalten, den eigenen Blick zu schärfen und neue Perspektiven auf Hujars Werk zu entdecken. (Bild: Peter Hujar, David Wojnarowicz (Hand Touching Eye), 1981 © The Peter Hujar Archive / VG Bild-Kunst, Bonn 2026)
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Partitur
MaerzMusik
Partitur ist die erste internationale Ausstellung, die der dänischen Komponistin und Klangkünstlerin Else Marie Pade (1924 – 2016) gewidmet ist. Pade war eine Wegbereiterin der musique concrète und der europäischen elektronischen Musik. Über mehrere Jahrzehnte hinweg betrachtete Pade Klang als visuelles Medium von Intensitäten, Vielfalt und Dissonanz. Ihre Kompositionen führen die Zuhörer*innen durch Märchen, Stadtlandschaften und Albträume, mit Partituren, die die Notation, den Prozess und die kakophonischen Erzählräume des Lebens einfangen. Ausgehend von Pades wegweisenden musikalischen Arrangements und Papierarbeiten zeichnet Partitur die künstlerische Entwicklung der Komponistin ab den 1950er-Jahren nach. Die Ausstellung entfaltet sich als immersive Hörumgebung, die an die räumlichen Strukturen ihrer Partituren und die von ihr neu gedachte Sprache für elektronische Komposition angelehnt ist. Begleitet wird die Ausstellung von einem Live-Programm, das Pades Erbe aufgreift und weiterführt. Es präsentiert in Berlin ansässige Klangkünstler*innen sowie Beiträge zu Musik, Kollektivität und dem Erbe von Künstlerinnen in der elektronischen Musik. Sofie Krogh Christensen – Kuratorin Ermöglicht durch die New Carlsberg Foundation Mi–Mo 11:00–19:00 Di geschlossen Ticketverkauf ausschließlich vor Ort und bargeldlos.
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LongStringInstallation
MaerzMusik
Geöffnet während der Konzerte und des Library-Programms im Haus der Berliner Festspiele Zwischen den Bäumen im Garten des Festspielhauses spannen sich lange Saiten, das Publikum wandelt umher und ist eingeladen, sich zum vertiefenden Zuhören in eigens konstruierte akustische Kammern zu legen. Pelle Schillings LongStringInstallation eröffnet ungewöhnliche Lausch- und Sehperspektiven und begibt sich in einen klingenden Dialog mit Ellen Fullmans eindrucksvollem Long String Instrument. Die kinetischen Installationen des niederländischen Künstlers Pelle Schilling spüren der Poesie physikalischer Phänomene nach. In seinen immersiven Arbeiten inszeniert er feinfühlige Dialoge zwischen mechanischen Systemen, Klang und räumlicher Dynamik und lädt das Publikum zu Momenten purer sensorischer Erfahrung ein. Im Zentrum von Schillings künstlerischer Praxis steht ein tiefer Respekt in Bezug auf die Autonomie der Zuschauenden: Anstatt Interpretationen festzulegen, entwirft er Umgebungen, in denen Betrachter*innen und Kunstwerk in einen intimen Dialog treten können. Seine Installationen fungieren als Instrumente, mit denen er mit Naturkräften genauso wie mit mechanischen Bewegungen zu komponieren vermag – und zugleich Räume erschafft, durch die sich die Zuschauer*innen frei bewegen und durch eigene Erfahrungen, Entdeckungen und sensorische Begegnungen individuelle Bedeutungen erschließen können. In der LongStringInstallation treffen natürliche und künstlerische Kräfte in akustischen Kammern aufeinander: eine Feedbackschleife aus Elektromagneten und Sensoren, die durch ihre Verbindung mit den Saiten der Installation Basstöne erzeugen, und der Wind, der ihre Spannung kontinuierlich verändert. Auf diese Weise greift Schilling Ellen Fullmans tiefsinnige Reflektionen über Saiteninstrumente auf und überträgt ihre Entdeckungen in eine ortsspezifische Installation, in der Wind, Bäume und die Saiten aus Stahl zum klingenden Ensemble werden.
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Rico Reframed
Staatliche Museen zu Berlin
In unmittelbarer Nachbarschaft zu der großen Retrospektive „Rico Puhlmann. Fashion Photography 50s–90s“ im Museum für Fotografie präsentieren fünfzehn Fotografie-Studierende des Lette Vereins Berlin neue fotografische und filmische Arbeiten, die sich auf vielfältige Weise mit dem Werk des Modefotografen auseinandersetzen. Während Puhlmann über vier Jahrzehnte das Modebild prägte und eine eigenständige Bildsprache zwischen Eleganz, Klarheit und Inszenierung entwickelte, greifen die beteiligten Künstler*innen zentrale Elemente seines Œuvres auf und variieren sie in gegenwärtigen Fragestellungen. Präsenz und Haltung sind zentral für Puhlmanns Fotografien: Seine ikonischen Modeaufnahmen sind oft von der fotografisch klar gesetzten Figur im Stadtraum geprägt, wodurch Körperlichkeit, Pose und Kleidung zu skulpturalen Erscheinungen verdichtet werden. Dieses Zusammenspiel von Mode, Körper, Raum und Blick bildet den Ausgangspunkt vieler Arbeiten der jungen Fotograf*innen. Zugleich eröffnet die Ausstellung neue Lesarten: Wie lässt sich Puhlmanns Verständnis von Stil, Identität und Fotografie heute lesen, in einer Zeit, in der Diversität, Sichtbarkeit und Repräsentation neu verhandelt werden? Puhlmanns Modebilder hinterfragt und neu interpretiert Die Modestrecken der Studierenden greifen in ihrer Auseinandersetzung mit Puhlmanns Arbeiten sowohl ästhetische als auch gesellschaftliche Aspekte auf und formulieren eigenständige zeitgenössische Antworten. Einige Positionen knüpfen an seine elegante, ruhige Bildsprache an und übertragen sie in heutige urbane Räume, in natürliches Licht und in ein reduziertes visuelles Vokabular. Andere untersuchen, wie Körper, Kleidung und architektonische Hintergründe sich in dialogische Räume verwandeln, in denen Pose und Präsenz neu gelesen werden können. Aber auch der Zeitgeist und die gesellschaftlichen Normen der 1950er bis 1990er Jahre, die sich über Puhlmanns Modebilder vermitteln, wurden befragt. Themen wie Sichtbarkeit, Selbstbehauptung, queere Lebensrealitäten, das Aufbrechen normativer Schönheits- und Körperbilder sowie der Umgang mit Alter und Diversität waren dabei zentral. Die aktuellen Arbeiten setzen auf Vielfalt, Direktheit und eine bewusste Öffnung gegenüber unterschiedlichen Körpern, Identitäten und Lebensentwürfen und schaffen so neue Blickwinkel auf ein traditionsreiches Genre. Es sind Modefotografien entstanden, die Vintage-Stücke mit heutiger Mode verbinden oder Entwürfe junger Designer*innen zeigen. Hier treffen moderne auf postmoderne Silhouetten, durchscheinende Stoffe auf robustes Leder, knallige Farben auf klassisches Schwarzweiß. Die Grenzen zwischen Dokumentation und Inszenierung, zwischen urbanem Realraum und stilisiertem Bildraum werden dabei bewusst offengehalten. Auch filmische Positionen führen Puhlmanns Interesse an Bewegung und Körperlichkeit sowie dem Spiel zwischen Kontrolle und situativer Offenheit weiter und übertragen es in die Dynamik des heutigen Stadtraums. So entsteht ein vielstimmiges Panorama, das nicht nur Puhlmanns Bildwelten reflektiert, sondern zugleich fragt, wie Modefotografie heute funktionieren kann: als Raum der Repräsentation, als ästhetische Praxis, als soziale und politische Aussage? Die Ausstellung lädt dazu ein, zeitgenössische Ästhetiken in Beziehung zu einem historischen Werk zu setzen und zu entdecken, wie sich Haltung, Körper und Mode über Generationen hinweg neu inszenieren, verschieben und verhandeln. Beteiligte Künstler*innen: Anita Schulte-Bunert, Elise Witt, Enno Grams, Inna Tonn, Isaac Waldvogel, Lara Marie Schless, Layla Behme, Lilith Kirsch, Marcus Arthur, Moe Otto, Max Philippi, Melissa M. Schwarzinger, Niels Lucke, Phuong Anh Nguyen Le, Tabea Jablonski, Vroni Belm Die Ausstellung wird kuratiert von Katja Böhlau und Ina Schoof. Eine Sonderausstellung der Kunstbibliothek – Staatliche Museen zu Berlin in Kooperation mit dem Lette Verein Berlin (Bild: Untitled, Detail, 2025 © Tabea Jablonski)
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Gallery Looks
Staatliche Museen zu Berlin
Im Spannungsfeld zwischen Kunst und Couture beleuchtet die Ausstellung „Gallery Looks“ die Begegnung der Alten Meister mit der Mode der Gegenwart – in Entwurf, Fotografie, Film und Haute Couture. Sie vereint unterschiedliche künstlerische Ansätze und zeigt, wie sich Stoffe, Schnitte, Farben und Geschichten in den verschiedenen Medien spiegeln und zu lebendigen Erzählungen verweben. Shooting zwischen Stil und Stoff Anlässlich des zehnjährigen Jubiläums des Berliner Salons im Februar 2025 präsentierten 55 Designer*innen in der Gemäldegalerie aktuelles deutsches Modedesign zwischen Werken der Alten Meister. Unmittelbar vor der Eröffnung setzte der Fotograf Ralph Mecke ausgewählte Entwürfe in den Sälen der Gemäldegalerie in Szene, die von Modellen präsentiert wurden. Begleitend dazu schuf Florian Azar ein atmosphärisches Video, das das Shooting in poetische, bewegte Bilder übersetzt. Film und Fotografien werden in der Ausstellung gezeigt und verdeutlichen eindrucksvoll die enge Verbindung von Mode und Kunst. Kunst trifft Couture Im Sommer 2025 diente die Gemäldegalerie Jonathan Anderson, dem neuen Kreativdirektor von DIOR, als Inspirationsquelle für seine Summer Show 2026: Für seine Präsentation vor dem Hôtel des Invalides ließ er eine Kulisse errichten, die den Sälen der Gemäldegalerie detailgetreu nachempfunden war – eine Hommage an einen Ort, den er als einen der schönsten Museumsräume der Welt beschreibt. Zwei originale Gemälde von Jean Siméon Chardin (1699–1779) ergänzten das Setting. In der Ausstellung „Gallery Looks“ sind neben einem der Berliner Gemälde von Chardin auch Videoaufnahmen der Show zu sehen, die das Zusammenspiel historischer und zeitgenössischer Elemente in Andersons Entwürfen auf eindrucksvolle Weise sichtbar machen. Malerei und Mode – Spiegel der Zeit Neben Filmen und Fotografien präsentiert die Ausstellung auch Entwürfe ausgewählter Designer*innen im Dialog mit hochkarätigen Gemälden. Diese Begegnung offenbart überraschende Parallelen in der Auseinandersetzung mit Aspekten wie Ausdruck, Schönheit, Identität und gesellschaftlichen Rollen. Für die Ausstellung entwickelten die Designer*innen Anne Bernecker, Plaid-à-Porter / Estelle Adeline Trasoglu, Karen Jessen und Alexander Gigl neue Arbeiten oder stellten Entwürfe zur Verfügung, die mit den gezeigten Gemälden interagieren. Auf diese Weise werden die engen Verbindungen zwischen künstlerischer Tradition und aktuellem Design sichtbar. Mode wird zum Medium der Wiederaneignung und Transformation, kunsthistorische Motive werden in die Gegenwart überführt und dabei neue Perspektiven eröffnet. Die Ausstellung wird kuratiert von Katja Kleinert. Modekonzept: Christiane Arp Eine Sonderausstellung der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Bild: „Gallery Looks. Modeinszenierungen in der Gemäldegalerie“: Fotoshooting anlässlich des BERLINER SALONS in der Gemäldegalerie 2025, Entwurf Alexander Gigl, mit Gemälde von Anton van Dyck Foto: Ralph Mecke)
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Bosporus Beats
Staatliche Museen zu Berlin
Die Weltstadt Istanbul und ihre Bewohner*innen in der Kunst auf Papier stehen im Zentrum der Ausstellung. Faszinierende Zeichnungen, druckgraphische Werke und Bücher machen die vielfältigen Verbindungen zwischen Mitteleuropa und der Metropole am Bosporus anschaulich. Werke weltberühmter Künstler wie Pollaiuolo, Dürer, Coecke van Aelst, Rembrandt, Liotard oder Chodowiecki sowie seltene und kaum gezeigte Beispiele belegen das große Interesse an der osmanischen und türkischen Kultur durch die Jahrhunderte. Dabei zeichnen sie ein vielschichtiges Bild: Die einen reflektieren die Bedeutung von Kunst und Musik, zeugen von Neugier und Begeisterung und dokumentieren Pracht und Schönheit. Andere dienen propagandistischen Interessen und verbreiten Vorurteile. Aktuelle künstlerische Positionen ergänzen die Werkauswahl um Reflexionen zu Fragen über Identität und Stereotype. Der Blick auf Istanbul von innen Das Thema der Perspektive – mehr noch: der Offenlegung von Perspektiven – eröffnet und begleitet die Ausstellung. Im Zentrum stehen die Darstellungen Istanbuls von Antoine Ignace Melling (1763–1831). Der deutsch-französische Architekt lebte viele Jahre in der Metropole am Bosporus, wo er für Sultan Selim III. und dessen Halbschwester Hatice tätig war. Er schuf Ansichten der Stadt, bei denen es sich laut Orhan Pamuk um die schönsten Darstellungen handelt: Melling blickte nicht von außen auf Istanbul, sondern von innen. […] Dadurch, dass er die Stadt wie ein Istanbuler sah und wie ein vorurteilsfreier Europäer malte, ist sein Istanbul einerseits ein vertrauter geographischer Ort mit seinen Moscheen und Erinnerungen und andererseits eine unvergleichliche und damit wunderbare Welt für sich. Orhan Pamuk, Istanbul. Erinnerungen an eine Stadt, aus dem Türkischen von Gerhard Meier, türkische Originalausgabe 2003, München 2006, S. 91 Echoraum für Themen der Gegenwart Die Ausstellung spannt einerseits einen großen zeitlichen Bogen von der Eroberung Konstantinopels durch das Osmanische Reich im Jahr 1453 bis zur Aufnahme diplomatischer Beziehungen zu Preußen durch die erste türkische Gesandtschaft in Berlin 1763. Andererseits fragen die einzelnen Kapitel der Ausstellung – Berührung, Neugier, Konflikt, Propaganda, Vorurteil – jeweils nach der Perspektive von Künstler und Publikum. Auf diese Weise entsteht mit den historischen Kunstwerken ein Echoraum für Themen der Gegenwart. Eine Sonderausstellung des Kupferstichkabinetts – Staatliche Museen zu Berlin (Bild: Melchior Lorck, Süleymaniye Moschee von Nordost gesehen, Detail, um 1570, Holzschnitt auf Papier Fotonachweis: Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Dietmar Katz)
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Gebaute Gemeinschaft
Staatliche Museen zu Berlin
Vor 12.000 Jahren schufen Jäger und Sammler im heutigen Türkiye monumentale Anlagen – bis heute sind Archäolog:innen damit beschäftigt, diese Bau- und Kunstwerke zu entschlüsseln. In Zusammenarbeit mit Türkiye werden nun spektakuläre archäologische Funde aus Göbeklitepe und anderen Orten der Umgebung auf die Museumsinsel Berlin geholt. Mit gewaltigen Statuen, Monumentalgebäuden und massiven figürlich verzierten T-Pfeilern – stilisierte Menschenbilder von bis zu sechs Meter Höhe – ist vor 12.000 Jahren die Welt der Jäger-Sammler am Übergang zur Sesshaftigkeit voller faszinierender Bildwerke und Symbole. Wer hat sie geschaffen und was bedeuten sie? Lange bevor Stonehenge errichtet oder die ersten Pyramiden erbaut wurden, schufen die ersten sesshaften Gemeinschaften in der Provinz Şanlıurfa im Südosten von Türkiye einmalige monumentale Gebäude mit fantastischen überlebensgroßen Bildwerken in Göbeklitepe, seit 2018 UNESCO-Weltkulturerbe, und in weiteren Orten. Die gewaltigen Bauten und der künstlerische Ausdruck sind als Werk von Gemeinschaften zu verstehen, die sich mit Beginn der Sesshaftigkeit bildeten. Der Zusammenhalt war ein wichtiger Faktor für das Leben der Gruppen und ihre Resilienz unter sich wandelnden Bedingungen. Seit 2020 zeichnen spektakuläre Entdeckungen des internationalen Forschungsprojekts Taş Tepeler in Orten wie Karahantepe, Sayburç und Çakmaktepe ein umfassendes Bild dieser revolutionären Epoche. Die Ausstellung in der James-Simon-Galerie zeigt Bildwerke, Alltagsgegenstände und Schmuck, die vom Zusammenleben der Menschen während dieses menschheitsgeschichtlichen Umbruchs erzählen. Archäologische Funde und Architekturrekonstruktionen werden von zeitgenössischen fotografischen Interpretationen der spanischen Fotokünstlerin Isabel Muñoz komplementiert und laden ein, in das Leben am Übergang von den Jäger-Sammler-Kulturen zur Sesshaftigkeit einzutauchen. "Gebaute Gemeinschaft. Göbeklitepe, Taş Tepeler und das Leben vor 12.000 Jahren" wurde durch ein Team unter der Leitung von Barbara Helwing, Vorderasiatisches Museum, und Necmi Karul, Universität Istanbul, erarbeitet und ist eine Zusammenarbeit zwischen dem Vorderasiatischen Museum, dem Archäologischen Museum Şanlıurfa und dem Forschungsprojekt “Taş Tepeler“ der Universität Istanbul, unter Mitwirkung des Deutschen Archäologischen Instituts. Die meisten archäologischen Objekte aus dem Museum Şanlıurfa sind erstmals im Ausland zu sehen. Die Ausstellung wird ermöglicht mit Mitteln der Deutschen Stiftung Klassenlotterie, des Kuratoriums der Stiftung Preußischer Kulturbesitz, der Freunde der Antike auf der Museumsinsel e.V. und Turkish Airlines. Zur Ausstellung wird ein bebilderter Begleitband in je einer deutschen, türkischen und englischen Ausgabe erhältlich sein. Eine Sonderausstellung des Vorderasiatischen Museums der Staatlichen Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit dem Ministerium für Kultur und Tourismus der Republik Türkiye, Generaldirektion für Kulturgüter und Museen, und dem Deutschen Archäologischen Institut Istanbul Medienkooperationen zur Ausstellung: ARTE, National Geographic, radioeins, radio3, Tagesspiegel, tipBerlin, WELTKUNST (Bild: Luftbild von Karahantepe © Karahantepe Project Archive/Yusuf Aslan)
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Avantgarde im Dialog
Staatliche Museen zu Berlin
Die Gemäldegalerie am Kulturforum öffnet ihre Räume erneut für einen außergewöhnlichen Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart: Im Rahmen der Berlin Fashion Week präsentiert Der Berliner Salon zeitgenössische Mode im direkten Austausch mit Meisterwerken der europäischen Kunstgeschichte. Der Berliner Salon ist ein vom Senat gefördertes Ausstellungsformat, das aufstrebenden Modetalenten eine international sichtbare Bühne bietet. In der diesjährigen Gruppenausstellung unter der Leitung von Christiane Arp, der Vorstandsvorsitzenden des Fashion Council Germany, werden in enger Zusammenarbeit mit der Gemäldegalerie herausragende junge Designer*innen vorgestellt. In die Dauerausstellung der Gemäldegalerie integriert, treten ihre Modeentwürfe in einen unmittelbaren Dialog mit den Gemälden der Alten Meister. Der hochkarätige Bestand des Museums bildet dabei einen einzigartigen kunsthistorischen Bezugsrahmen. Die historischen Darstellungen von Körperhaltungen, Gewändern und modischer (Selbst-)Inszenierung veranschaulichen eindrucksvoll, wie Kleidung seit Jahrhunderten als Ausdruck von Identität, sozialem Status und Machtbewusstsein eingesetzt wird. In der direkten Gegenüberstellung mit der Malerei werden die Modeentwürfe in ihrem kulturellen Kontinuum greifbar – zwischen Kunst, Handwerk und Zeitgeist. Die Präsentation knüpft an eine jahrhundertealte Tradition handwerklicher Meisterschaft an: Die Alten Meister waren die Avantgarde ihrer Zeit, in ihren Werken spiegeln sich Vorstellungen, Wünsche und Sehnsüchte vergangener Epochen wider. Als Höhepunkte künstlerischer und handwerklicher Exzellenz ermöglichen ihre Werke neue Perspektiven auf kreative Prozesse und deren Weiterentwicklung bis in die Gegenwart. Mit dem Berliner Salon wird die Gemäldegalerie wie bereits mit der Gruppenausstellung „Mode trifft Meisterwerke“ im Februar 2025 zu einem Ort des lebendigen Austauschs, an dem historische Kunst und zeitgenössische Mode in einen vielschichtigen, sinnlichen Dialog treten. Bereits ab dem 30. Januar und bis 30. Mai 2026 sind zudem die Ausstellungen „Gallery Looks, Modeinszenierungen in der Gemäldegalerie“ und „Fashion X Craft: Echoes of Tomorrow“ zu sehen. Eine Sonderausstellung der Gemäldegalerie – Staatliche Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit Nowadays und Museum & Location. (Bild: Luigi Crespi, Elisabetta Cellesi (?), Detail, 1732 Bildnachweis: Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie)
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Fashion x Craft: Echoes of Tomorrow
Staatliche Museen zu Berlin
Die Ausstellung zeigt, wie fünf junge Designer*innen traditionelle Handwerkskunst in zeitgenössische Mode übersetzen: Die Ausstellung präsentiert aufwendige Modeentwürfe, gibt Einblicke in deren Entstehungsprozess und regt dazu an, Handwerk als generationsübergreifenden Dialog zu begreifen und fortzuführen. Analoge Künste in digitalen Zeiten Kann Handwerkskunst als ein Erfahrungsaustausch über Generationen hinweg begriffen werden? Lässt sich der Dialog über ein gänzlich analoges Gut auch in digitalen Zeiten fortführen? Wie werden wir uns an traditionelle Techniken erinnern – und kann es gelingen, sie auch in Zukunft zu erhalten? Mit diesen Fragen haben sich fünf junge Modedesigner*innen über Monate hinweg auseinandergesetzt. „Dabei haben wir uns ein Universum vorgestellt, in dem diese Erinnerung als Nostalgie Gestalt annimmt – wie eine Reminiszenz, bei der es unmöglich ist zu unterscheiden, was real und was imaginiert ist“, so Aleksander Kudrischow, Laura De Sousa, Lennart Bohle, Jon Liesenfeld und Melanie Parzenczewki vom V-Collective. „In dieser Welt taucht das Handwerk in neuen Formen wieder auf: Manche Details bleiben lebhaft, andere verschwimmen, lösen sich auf und verschmelzen zu einer hybriden, futuristischen Vision von Handwerkskunst“. Auf Grundlage der Denk- und der Handarbeit der fünf Kreativen ist die Kollektion „Echoes of Tomorrow“ entstanden, die in den Räumen der Gemäldegalerie zu sehen sein wird. Die Ausstellung lädt Besucher*innen dazu ein, sich mit traditionellen Techniken auseinanderzusetzen, deren zeitgenössische Neuinterpretationen kennenzulernen und über die Mode der Zukunft nachzudenken. Ein Jahr des Experimentierens und Erschaffens Das V-Collective setzt sich aus Teilnehmer*innen der Initiative Fashion x Craft zusammen: Das Projekt des Branchenverbands Fashion Council Germany in Kooperation mit eBay Deutschland und The King’s Foundation bietet jungen Mode- und Textildesigner*innen ein maßgeschneidertes Förderprogramm, das Themen der Nachhaltigkeit, Handwerkskunst und Innovation gleichermaßen fokussiert. Dabei werden die Teilnehmer*innen während Residency-Aufenthalten beim Good Garment Collective in Berlin und einem Stiftungssitz der King’s Foundation im englischen Highgrove in weitreichenden Workshops und intensiven Mentoringprogrammen an handwerkliche Prozesse herangeführt, die über die Grenzen traditioneller Mode- und Textilproduktion hinausgehen. Aus der diesjährigen Ausgabe der Initiative sind das V-Collective und seine 24-teilige Modekollektion hervorgegangen: Sie basiert auf den Handwerkskünsten, die den Teilnehmenden innerhalb des Projektjahres vermittelt wurden, darunter natürliche Färbetechniken, Weben und Klöppeln, aber auch modefremde Techniken wie Korbflechten, Metall- und Holzarbeit. Die Entwürfe wurden aus sogenannten Deadstock-Materialien gefertigt – also nicht verwendeten Stoffen und Fasern größerer Unternehmen, die eBay Deutschland und die Deadstock-Plattform Zerow zur Verfügung gestellt haben. Rohe Atelierwand im institutionellen Raum Die Kleidungsstücke der Kollektion werden in Form einer Bühneninstallation ausgestellt. Dabei spielen die Räumlichkeiten der Gemäldegalerie eine wichtige Rolle für das Inszenierungskonzept: Der musealen Perfektion des Ausstellungsortes – den der Kreativdirektor des Traditionshauses Dior, Jonathan Anderson, unlängst als einen der schönsten Museumsräume der Welt beschrieb – setzt die Schau des V-Collective im hinteren Teil der Wandelhalle eine zum Teil herbe, rohbauliche Wandgestaltung mit Gips- und Farbresten entgegen. Ergänzt durch Stoffhängungen, Collagen und Skizzen entsteht der Eindruck einer Atelierwand, die den Erarbeitungsprozess der Kollektion atmosphärisch in den institutionellen Raum der Gemäldegalerie überträgt und dort nachvollziehbar macht. Eröffnung im Rahmen der Fashion Week Die Ausstellung wird im Rahmen der Berlin Fashion Week feierlich eröffnet. Zeitgleich wird im vorderen Teil der Wandelhalle die Ausstellung „Gallery Looks. Modeinszenierungen in der Gemäldegalerie“ gezeigt – eine eindrucksvolle Begegnung von Kunst der Vergangenheit mit zeitgenössischer Mode in Entwurf, Fotografie, Film und Haute Couture. Vom 3. bis 22. Februar 2026 zeigt zudem Der Berliner Salon Modeentwürfe junger Designer*innen im Dialog mit der Dauerausstellung der Gemäldegalerie. Eine Sonderausstellung der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Bild: Die Initiative Fashion x Craft des Fashion Council Germany vermittelt jungen Designer*innen traditionelle Handwerkskünste wie das Klöppeln. Foto: Anasteisha Ruzhanska)
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Mein Jüdisches Berlin. Eine Videoinstallation
Neue Synagoge Berlin - Centrum Judaicum
In zehn Episoden gibt die Installation Einblicke in Berliner Lebenswelten aus Vergangenheit und Gegenwart. Das Besondere: Berliner:innen begegnen uns in Lebensgröße. Auf fünf hochformatigen Monitoren erzählen sie selbst von „ihrem jüdischen Berlin“ und zeigen uns dessen Orte: etwa ein Künstleratelier, die Kellergewölbe des Jüdischen Krankenhauses, den Gottesdienst einer orthodoxen Gemeinde oder das Foyer der Komischen Oper Berlin. Die Erzählungen spannen einen Bogen von den intellektuellen Treffpunkten um 1800 bis zu einem Familientisch im Berlin von heute. Es offenbaren sich unterschiedliche Bindungen und persönliche „Beziehungsgeschichten“. Für einige ist jüdisches Berlin langjähriger Teil ihrer Familienbiografie, manche sind jüdische und nichtjüdische Berliner:innen mit anderen Hintergründen und Geburtsorten. Diverse Muttersprachen und Lebensgeschichten stehen für jüdische und berlinerische Vielfalt. Womit wir bei Fragen um Zugehörigkeit wären: was ist eigentlich berlinerisch, was ist jüdisch, wer gehört zu Berlin und wer zum jüdischen Berlin? Jedenfalls, jüdisch gehört zu Berlin. Tauchen Sie in die verschiedenen Welten ein und seien Sie mit uns neugierig auf eine Sinfonie diverser Stimmen … kuratiert von Anja Siegemund, Eva Lezzi, Stefanie Höpfner
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Zeiten des Umbruchs